Хорошего Вам дня, ребята!
Мы с вами продолжим знакомство с новой культурой- культурой Ренессанса.
Запись в тетради: «Живопись Проторенессанса и Раннего возрождения»
"Это, несомненно, золотой век, который вернул свет свободным искусствам". / Марсилио Фичино /
Возрождение – новый этап в развитии мировой культуры. В центре искусства Возрождения вновь оказался человек. Люди были подняты над землей до уровня богов. Средневековый теоцентризм сменяет антропоцентризм.
Эту эпоху называют веком гениев, веком титанов, веком утверждения человеческой личности, идет активный поиск человеческой индивидуальности. Всеобщая культурная переориентация привела к возникновению нового типа эстетического сознания, это время рождения новой европейской культуры. Гуманизм начал с системы отказа от средневекового образования. В средние века наука носила элитарный, замкнутый в университетских стенах характер.
Возрождение считает, что человек должен учиться, чтобы управлять миром. Мир открывался человеку через науку и ощущение красоты. Человек сам определяет свое место в мире. Он сам формирует свой образ, очищая душу от страсти, достигает гармонии внутреннего мира и познает красоту природы.
Главное в эстетике Возрождения:
– утверждение величия, мощи и красоты человека;
- отрицание бессмертия (земная жизнь остается единственным и неповторимым достоянием человека);
- возвеличение земной красоты, счастья, наслаждения телесного;
- возвеличение мысли и сомнения, отрицание догмы, фанатизма, страдания;
- гуманизм человеческого величия.
Искусство Возрождения возникало в условиях переходного от феодализма к капитализму. Ренессанс возникал из предшествующей традиции средневековья. Это было единство отрицания и продолжения. Критерием Возрождения служило возобновление знаний греческой и латинской классики, т.е. возрождение античности.
«Джованни Чимабуэ (Ченни ди Пепо)( (1240/45-1301)
Нескончаемым потоком бедствий, затопившим и низвергшим в бездну несчастную Италию, не только были разрушены памятники архитектуры, которые по праву таковыми могли именоваться, но, что еще существеннее, как бы уничтожены были совершенно и все художники. И вот тогда-то, по воле божией, и родился в городе Флоренции в 1240 году, дабы возжечь первый свет искусству живописи, Джованни по фамилии Чимабуе (Чимабуэ), из благородного рода тех времен Чимабуи.
Когда же он подрос, отец да и другие признали в нем прекрасный и острый ум и для усовершенствования в науках он был отдан в Санта Мариа Новелла к учителю, его родственнику, обучавшему тогда грамматике послушников этой обители. Однако Чимабуе, чувствуя к тому влечение своей природы, вместо того чтобы заниматься науками, проводил весь день за рисованием в книжках и на всяких листочках людей, лошадей, построек и всего, что только ему ни приходило в голову. Этой склонности его натуры благоприятствовала и судьба, ибо тогдашними правителя ми Флоренции были приглашены несколько живописцев из Греции именно для того, чтобы вернуть Флоренции живопись, скорее сбившуюся с пути, чем погибшую. Наряду с другими работами, заказанными им в городе, они начали капеллу Гонди, своды и стены коей ныне почти целиком повреждены временем, что можно видеть в Санта Мариа Новелла рядом с главной капеллой, где капелла Гонди и находится.
А Чимабуе, который уже начал заниматься привлекавшим его искусством, частенько убегал из школы и простаивал целыми днями, наблюдая за работой названных мастеров. В конце концов и отец и живописцы эти признали его настолько способным к живописи, что, как они надеялись, можно было от него ожидать заслуженных успехов, если посвятить его этому занятию. И к немалому его удовольствию, отец его заключил с ними соглашение. Постоянно таким образом упражняясь, он получил и от природы такую помощь, что за короткое время намного превзошел как в рисунке, так и в колорите манеру обучавших его мастеров: ведь они, не заботясь о том, чтобы двигаться вперед, выполняли названные работы так, как их можно видеть и ныне, то есть не в доброй древнегреческой манере, а в неуклюжей, новой, того времени. Он же, хотя и подражал этим грекам, все же во многом усовершенствовал искусство, почти целиком отказавшись от их неуклюжей манеры, и прославил свою родину своим именем и созданными им творениями. Об этом свидетельствуют во Флоренции его живописные произведения, такие как запрестольный образ в Санта Чечилиа, а в Санта Кроче доска с Богоматерью, и поныне висящая на одном из столбов в правой части хора. Позднее он изобразил на небольшой доске на золотом фоне св. Франциска и написал его, что было для тех времен делом новым, с натуры и, как только мог, лучше, а вокруг него все истории из его жизни в двадцати клеймах с крохотными фигурками на золотом фоне.
После этого, приняв от монахов Валломброзы для аббатства Санта Тринита во Флоренции заказ на большую доску и вложив в нее большое старание, дабы оправдать славу, уже им завоеванную, он показал еще большую изобретательность и прекрасные приемы в позе Богоматери, изображенной на золотом фоне с сыном на руках и в окружении многочисленных ангелов, ей поклоняющихся. Когда доска эта была закончена, она была помещена названными монахами на главном алтаре упомянутой церкви; позднее же она была заменена на этом месте находящейся там доской Длессо Бальдовинетти и поставлена в малую капеллу левого нефа упомянутой церкви.
Затем он работал над фресками в больнице Порчеллана на углу Виа-Нуова, ведущей в предместье Оньисанти; на переднем фасаде, где с одной стороны главной средней двери была дева Мария, принимающая благую весть от ангела, а с другой Иисус Христос с Клеофой и Лукой — фигуры в натуральную величину, он убрал все старье, сделав на этих фресках ткани, одежду и другие вещи несколько более живыми, естественными и в манере более мягкой, чем манера упомянутых греков, изобилующая всякими линиями и контурами, как в мозаике, так и в живописи; манеру же эту, сухую, неуклюжую и однообразную, приобрели они не путем изучения, а по обычаю, передававшемуся от одного живописца тех времен к другому в течение многих лет без всякой мысли об улучшении рисунка, о красоте колорита или о какой-либо хорошей выдумке.
После этого Чимабуе, приглашенный тем же настоятелем, который заказывал ему работы в Санта Кроче, сделал для него большое деревянное распятие, которое можно видеть в церкви и ныне; работа эта стала причиной того, что настоятель, довольный хорошо выполненным заказом, отвез Чимабуе в свой монастырь Св. Франциска в Пизе для написания образа св. Франциска, который был признан тамошними людьми произведением редкостным, ибо можно было усмотреть в нем, как в выражении лица, так и в складках одежды, нечто лучшее, чем греческая манера, применявшаяся до той поры и в Пизе, и во всей Италии. Затем Чимабуе для этой же церкви написал на большой доске Богоматерь с младенцем на руках, окруженную многочисленными ангелами, также на золотом фоне; вскоре этот образ был снят оттуда, где был помещен первоначально, а на его месте был воздвигнут мраморный алтарь, находящийся там и поныне; образ же был помещен внутри церкви слева от двери; за эту работу он заслужил от пизанцев много похвал и наград. В том же городе Пизе по заказу тогдашнего аббата Сан Паоло ин Рипа д'Арно он написал на небольшой доске св. Агнесу, а вокруг нее — все истории ее жития с маленькими фигурками; дощечка эта находится ныне над алтарем св. Девы в названной церкви.
А так как благодаря этим произведениям имя Чимабуе стало повсюду весьма знаменитым, он был приглашен в Ассизи, город в Умбрии, где в содружестве с несколькими греческими мастерами он расписал в нижней церкви Св. Франциска часть сводов, а на стенах написал жизнь Иисуса Христа и св. Франциска, и в этих картинах он превзошел намного названных греческих живописцев, после чего, собравшись с духом, начал один расписывать фресками верхнюю церковь и в главной абсиде выполнил над хором на четырех стенах несколько историй о Богоматери, а именно Успение ее, когда душа ее возносится Христом на небеса на облачный трон и когда он венчает ее, окруженную сонмом ангелов, а внизу находится много святых мужей и жен, ныне исчезнувших от пыли и от времени. А на крестовых сводах этой же церкви, каковых всего пять, он изобразил равным образом многочисленные истории. На первом своде над хором он выполнил четырех евангелистов, более чем в натуральную величину, столь хорошо, что и ныне в них можно распознать много хорошего, а свежесть колорита человеческого тела указывает на то, что живопись трудами Чимабуе начала делать большие успехи в искусстве фрески. Второй свод он заполнил золотыми звездами на ультрамариновом фоне. На третьем в нескольких тондо он выполнил Иисуса Христа, Пресвятую Деву, его мать, св. Иоанна Крестителя и св. Франциска, то есть в каждом тондо по фигуре и в каждой четверти свода по тондо. Между этим и пятым сводом он расписал четвертый, так же, как и второй, золотыми звездами на ультрамариновом фоне. На пятом же изобразил четырех отцов церкви и возле каждого из них по одному из четырех первых монашеских орденов — задача, несомненно, трудная, но выполненная им с бесконечным усердием.
Возвратимся, однако, к Чимабуе. Джотто поистине затмил его славу, подобно тому как большой светоч затмевает сияние намного меньшего; и потому, хотя Чимабуе чуть не стал первопричиной обновления искусства живописи, тем не менее воспитанник его Джотто, движимый похвальным честолюбием и с помощью неба и природы, стал тем, кто, поднимаясь мыслью еще выше, растворил ворота истины для тех, кои позже довели ее до той ступени совершенства и величия, на которой мы видим ее в нынешний век. Век этот, привыкший к тому, чтобы ежедневно видеть чудеса и дива и то, как художники творят в этом искусстве невозможное, дошел ныне до то го, что уже не дивится творению человека, хотя бы оно было более божественным, чем человеческим. А для тех, кто похвально трудился, хорошо уже и то, если вместо похвалы и восхищения они не будут награждены порицанием, а то и срамом, как это случается нередко.
Портрет Чимабуе можно видеть в капитуле Санта Мариа Новелла, написанным рукой Симоне Сиенца в профиль, в истории Веры; это фигура с худощавым лицом, небольшой бородкой, рыжеватой и остроконечной, и в капюшоне, какой носили в те времена, прекрасно облегающем лицо кругом и шею. Тот же, кто стоит возле, и есть сам Симоне, мастер этого произведения, изобразивший себя при помощи двух зеркал, из которых одно отражается в друтом так, чтобы голова видна была в профиль. А воин, закованный в латы, стоящий между ними, — это, как говорят, граф Гвидо Новелло, тогдашний владелец Поппи.
Остается сказать о Чимабуе, сколько хороших качеств приобрело искусство рисунка благодаря его творениям.
Мартини Симоне (Martini Simone) (около 1284-1344)
Итальянский живописец. Работал в Тоскане, а также в Неаполе (1317), Орвието (1320), Ассизи (1320-е годы) и Авиньоне (с 1340). Мастер сиенской школы, Мартини был последователем и, возможно, учеником Дуччо ди Буонинсенья, испытал влияние живописи французской готики.
Современник и друг Петрарки, Симоне Мартини кроме Сиены работал в Ассизи, в Авиньоне и Неаполе. К 1315 году относится его известная фреска “Маэста”, во многом аналогичная по композиции с иконой Дуччо, но написанная не для церкви, а для зала Большого совета Палаццо Пубблико. Уже одним этим она приобретала более светский и парадный характер; в смысле своей композиции она также отличалась большей пространственностью и свободой, которые, однако, прихотливым образом сочетались в произведениях Симоне с плоскостным декоративным началом. В этой фреске все фигуры, начиная с мадонны, отмечены чертами готического изящества и элегантности, в какой-то степени отражающими черты рыцарского быта, к которому Симоне Мартини испытывал большой интерес. Женские образы приобретают в трактовке сиенского мастера гораздо большую мягкость и поэтическую одухотворенность; помимо этого они обладают большей объемностью, чем фигуры Дуччо. Причудливая смесь северноготических средневековых форм, заимствованных из французской книжной миниатюры, и реалистического начала, проникшего в сиенскую живопись после Джотто, отразилась во фреске Симоне Мартини, исполненной им в 1328 году также для сиенской ратуши, изображающей полководца Гвидориччо да Фольяно, едущего на коне. Эта фреска, написанная на противоположной от фрески “Маэста” стене, приобретала своего рода символическое значение, так как была трактована художником как призыв к военному возрождению республики. Помимо того, что здесь была предпринята попытка изобразить, правда, еще условный, но с намеками на перспективу пейзаж — рыжие холмы с феодальными Замками и крепостями на фоне синего неба, — эта фреска важна тем, что здесь создан один из первых портретов в искусстве треченто, выражавший еще не индивидуальные, а обобщенно-типические черты кондотьера. Этот всадник в одеянии, украшенном узором из ромбов, таким же, какой украшает чепрак его коня,— является прототипом многочисленных конных памятников, исполненных в скульптуре и в живописи итальянскими мастерами 15 века.
В произведениях художника Симоне Мартини (фрески в Палаццо Публико в Сиене - "Маэста", 1315, и изображение кондотьера Гвидориччо да Фольяно, 1328; росписи со сценами из жизни святого Мартина Турского в Нижней церкви Сан-Франческо в Ассизи, около 1326; алтарный образ “Благовещение”, 1333, Уффици) главенствующее место занимают идеалы позднерыцарской культуры с присущими ей утонченным спиритуализмом, любовью к изысканным линиям и силуэтам, эмоционально выразительному, мягкому колориту.
"Благовещение" — одна из самых лучших работ художника. Бесплотная фигура мадонны, задрапированная в темно-синий плащ, выделяющий ее изящный силуэт на золотом фоне, представлена в эффектном эмоциональном и цветовом контрасте с фигурой стоящего перед ней на коленях светлого ангела с большими узорными крыльями. В центре между фигурами помещена золотая граненая ваза с высокими лилиями. На боковых створках композиции изображены святые. Овеянное тонким лиризмом, это произведение с его нежными звучными красками и плавной мелодией линий, создающих гибкие контуры фигур, характеризует творческий расцвет мастера. Маленькая Мадонна из сцены “Благовещение” (Эрмитаж, Санкт-Петербург), написанная на золотом тисненом фоне, с ее легким и изысканным силуэтом невесомой и изящной фигурки, узким овалом лица, с миндалевидным разрезом глаз и тонкими длинными пальцами также является одним из шедевров Симоне Мартини. Прелесть его женских образов была близка по своему духу к поэзии Петрарки, и не случайно именно Симоне Мартини поэт поручил выполнить портрет своей бессмертной возлюбленной Лауры. Для сиенцев Симоне Мартини был самым любимым художником, унаследовавшим от Дуччо лучшее, что он имел, но раскрепостившим вместе с тем сиенскую живопись от гнета византийских традиций и придавшим ей светский оттенок, красоту, декоративную выразительность — качества, которые должны были нравиться его современникам. Симоне Мартини работал также в Ассизи, где участвовал в росписях нижней церкви Сан Франческо. Из сохранившихся его ассизских фресок очень красив фрагмент с изображением музыкантов из композиции «Посвящение святого Мартина в рыцари».
Искусство Симоне Мартини особенно далеко от флорентийского варианта треченто. Живописцу присуща тончайшая духовность, нередко столь возвышенно-отрешенная, что она как бы очищена от конкретных человеческих эмоций. Работая в Авиньоне, Мартини сблизился с Франческо Петраркой, исполнил для него портрет Лауры (не сохранился) и фронтиспис к манускрипту Вергилия (библиотека Амброзиана, Милан). Искусство Симоне Мартини послужило образцом для многочисленных подражаний, получив известность в других городах Италии и странах средневековой Европы, однако в формировании искусства Возрождения оно сыграло незначительную роль, так как не заключало в себе тех принципиально новых художественных реформ, которые были необходимы для создания нового, реалистического стиля.
ФРА БЕАТО АНДЖЕЛИКО ДА ФЬЕЗОЛЕ (Гвидо ди Пьетро)
Доминиканский монах Гвидо ди Пьетро, принявший после пострига имя Джованни, привлек внимание современников своим бесспорным выдающимся талантом, как и благочестивой жизнью. В 1984 г. он был официально причислен к лику блаженных.
Его современники, потрясенные видом фресок, именовали скромного монаха из Фьезолы как Беато, что значит "блаженный". Также упоминая его имя присоединяли эпитет Анджелик, что значит "ангельский". Со времением это прозвание заменило имя Гвидо ди Пьетро, и во всем мире он прославился как Фра Беато Анджелико да Фьезоле.
Произведениям фра Беато характерны созерцательность и мягкий лиризм. Он считается последним художником, в работах которого прослеживается отжившая средневековая наивность в период, когда натурализм и гуманизм Ренессанса покорял Европу. Хотя в целом его работы напоминают стиль Джотто однако в них также прослеживаются новые веяния, отличающие произведения флорентийских мастеров, такие как объемность форм, передача перспективы, придание глубины изображению. Нежные образы, созданные Беато Анджелико, объединяют в себе реализм и романтизм, присущий Мадоннам Симоне Мартини, особенно в «Благовещении». Симрение, кротость, целомудрие, благочестие, глубокая вера, по свидетельству современников, были свойственны характеру Фра Джованни, и это, бесспорно, можно увидеть и во всех его работах.
Роспись «Мадонна с Младенцем, Святыми Домиником и Фомой Аквинским» изначально украшала стену зала капитула монастыря во Фьезоле. Когда монастырь был упразднен, фреску вырезали вместе с частью цены. Позднее ее продали с аукциона.
В коллекции Эрмитажа также хранится ранняя работа благочестивого художника – «Мадонна Симрения». Предполагают, что она была написана 1420-е годы, однако некоторые исследователи выдвигают версию, что она была создана еще раньше. Этой алтарной панели прослеживается влияние творчества Дона Лоренцо Монако, монаха камальдульского ордена в монастыре дельи Анджели, который, возможно был одним из первых учителей фра Беато Анджелико. Пьетро делла Франческа.
Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. В 1439 работал в мастерской Доменико Венециано во Флоренции; испытал влияние Мазаччо, Филиппо Брунеллески, мастеров нидерландской живописи. С 1442 работал преимущественно в Сан-Сеполькро и Урбино, а также в Ферраре, Римини, Риме, Ареццо. Уже в произведениях 1450-х годов (“Крещение Христа, 1450-1455, Национальная галерея, Лондон; Мадонна делла Мизерикордия, около 1450-1462, Коммунальная пинакотека, Сан-Сеполькро; “Бичевание Христа, около 1455-1460, Национальная галерея Марке, Урбино) проявились основные черты искусства Пьетро делла Франческа: величавость образов, объемность форм, прозрачность приглушенного колорита, перспективное построение пространства.
Об исключительном колористическом даровании художника свидетельствуют цикл фресок "История животворящего Креста" в церкви Сан-Франческо в Ареццо (1452-1466), исполненных в тончайшей гамме бледно-розовых, фиолетовых, красных, синих и серых тонов. Обобщая объёмы фигур и развёртывая композиции параллельно плоскости стены, на фоне спокойных ясных ландшафтов, Пьетро делла Франческа добивается в этих росписях впечатления просветленной торжественности, гармоничной целостности картины мироздания. Присущее его произведениям внутреннее благородство обретает особую возвышенность во фреске “Воскресение Христа” (около 1463, Коммунальная пинакотека, Сан-Сеполькро).
Около 1465 Пьетро делла Франческа исполнил отмеченные чеканной остротой форм и глубиной психологической характеристики профильные портреты герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро и его супруги Баттисты Сфорца (Уффици), в которых значительную композиционную и эмоциональную роль играют насыщенные светом и воздухом далекие пейзажные фоны. Федериго да Монтефельтро и его жена Баттиста Сфорца изображены в профиль, но трактовка их лиц сильно отличается от плоскостных портретных изображений Доменико Венециано. Округлыми контурами, мягкой светотенью художник достигает пластической объемности лиц, словно вылепив их светом и красками. Лишенный всякой идеализации властный профиль герцога Урбинского, изображенного в красной одежде и того же цвета шапке, четко выделяется на фоне бледного неба и далекого голубовато-серого пейзажа, насыщенного светом и воздухом. Низкий горизонт усиливает монументальность его фигуры, господствующей над окружающей природой. На обороте картины изображен триумф герцогов Урбинских, по величайшей тщательности письма приближающийся к нидерландской живописной технике. В поздних произведениях Пьеро делла Франческа светотень становится мягче и прозрачнее, передача световых и воздушных Эффектов и разработка живописных деталей еще нежнее и тоньше, что указывает на знакомство художника с образцами нидерландской живописи, пользовавшейся большим успехом у итальянских художникоя (Рогир ван дер Вейден, Нос ван Гент). Примером позднего творчества Пьеро делла Франческа может служить замечательное, выдержанное в серебристо-лунном, воздушном колорите “Поклонение волхвов” (Лондон, Национальная галерея). В поздних работах Пьетро делла Франческа (“Рождество”, 1475) светотень становится более мягкой, большое значение приобретает рассеянный серебристый свет.
В конце жизни мастер оставил занятие живописью и полностью отдался сочинению научных трактатов о перспективе и геометрии. Пьетро делла Франческа принадлежат два научных трактата: “О перспективе в живописи”, в котором под влиянием Леона Баттиста Альберти художник дает математическую разработку приемов перспективы, и “Книжица о пяти правильных телах”, посвященный практическому решению некоторых проблем стереометрии. Творчество Пьетро делла Франческа заложило основы искусства Возрождения в живописи Средней и Северной Италии, оказало значительное воздействие на развитие венецианской и флорентийской школ. Пьеро делла Франческа по праву занимает почетное место в ряду самых известных художников 15 века.
Эта картина — одна из самых известных и загадочных работ художника — была создана во время его первой поездки в Урбино. Полотно содержит тонкие аллюзии на тогдашнюю политическую ситуацию, которые сейчас понять довольно затруднительно. Наибольшее доверие вызывает теория, согласно которой картина должна была способствовать примирению между западной и восточной христианскими Церквами в преддверии грозящей Константинополю угрозы со стороны турок. Это предположение опирается в том числе на тот факт, что один из центральных персонажей картины облачен в греческое одеяние. Надпись на раме («convenerunt in unum») также говорит в пользу этой теории. Строго продуманная композиция делит картину на две части, разделенные колонной, которая поддерживает храм, где происходит сцена бичевания Христа. Элегантный классический храм выписан с наивозможной тщательностью. Обращает на себя внимание украшенный орнаментом потолок и бронзовая скульптура, от которой отражается свет. Справа, на переднем плане, полукругом стоят три фигуры, личности которых не установлены. Крайний справа персонаж одет в роскошный восточный наряд с эффектными контрастами синего и золотого. Работа представляет собой великолепный образец использования линейной перспективы в живописи Раннего Возрождения.
Антонелло да Мессина (Antonello da Messina) (около 1430–1479)
Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. Работал главным образом в Мессине на острове Сицилия. Около 1450 переехав в Неаполь, учился у Николо Колантонио — живописца, связанного с нидерландской традицией. В 1475–1476 работал в Венеции. Антонелло да Мессина был дружен со многими венецианскими художниками, особенно с Джованни Беллини, перенявшими у него в известной мере живописную технику.
Антонелло да Мессина одним из первых в Италии стал работать в технике чистой масляной живописи. Он заимствовал у нидерландских художников технику масляной живописи, что позволило ему сочетать свойственные северным живописцам тщательность письма, обилие деталей, глубину светонасыщенного цвета с монументальностью замысла, тонкой передачей пространства, света и воздуха, спокойствием и классической уравновешенностью образов («Распятие, Мария и Иоанн», 1475, Национальная галерея, Лондон; «Святой Себастьян», Картинная галерея, Дрезден).
Зрелое творчество Антонелло да Мессина представляет собой сплав итальянских и нидерландских элементов. Написанные им в Венеции картины считаются лучшими в его творчестве. Антонелло да Мессина также внес значительный вклад в развитие ренессансного портрета (так называемый «Кондотьер», 1475, Музей Лувр, Париж).
Картина Антонелло да Мессина «Святой Иероним в келье».
На картине Антонелло да Мессина зритель видит святого Иеронима, погруженного в чтение в своей келье. Только лев справа замер, прислушиваясь к доносящимся снаружи звукам. Возможно, Антонелло да Мессина в некоторых отношениях испытал влияние нидерландской живописи: детали в роде предметов на полках, изразцового пола, птиц, устроившихся на подоконнике, а также характер света - все это напоминает яркий реализм картин Робера Кампена и Яна нан Эйка.
Нет никаких свидетельств того, что Антонелло да Мессина когда-либо покидал Италию, но он, видимо, был знаком с техникой нидерландских мастеров. Согласно некоторым источникам, он обучался технике масляной живописи у самого мастера Ван Эйка, а затем принес секрет этого метода в Италию. Более вероятно, что Антонелло испытал влияние фламандских художников в Милане. В 1475-1476 годах Антонелло да Мессина был в Венеции, где его новаторская техника оказала большое влияние на Джованни Беллини и других современников.
Уччелло Паоло (Uccello Paolo) (1397-1475)
Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. Собственно, настоящая фамилия художника ди Доно (di Dono). Работал во Флоренции в мастерской Лоренцо Гиберти в 1407-1411 годах, а также в Венеции, Падуе и Урбино. В ранний период творчества Уччелло тяготел к традициям поздней готики, но под влиянием Донателло, Филиппо Брунеллески, Мазаччо страстно увлекся проблемами нового ренессансного искусства. Органически сочетая любовь к живописи и к науке, он изучал строение растений и животных, законы построения пространства по правилам математической перспективы.
Уччелло создал три варианта монументальной исторической композиции “Битва при Сан-Романо” (середина 1450-х годов, Уффици, Лувр, Париж и Национальная галерея, Лондон ), ставшей одним из истоков европейского батального жанра. Эта картина “Битва при Сан-Романо” является одной из трех работ Учелло, изображающих победу флорентийцев над сиенцами в битве при Сан-Романо в 1432 году. Первоначально они висели в большом зале Палаццо Медичи во Флоренции. Здесь показан флорентийский полководец Никколо да Толентино, сидящий на белом коне. Учелло был страстно увлечен передачей пространства и перспективного сокращения. Это особенно заметно в том, как показана лежащая на земле фигура в доспехах и сломанные пики, словно упавшие прямо на линии перспективы. Однако талант Учелло проявился и в изобилии деталей и странных форм. а также в изумительном воображаемом пейзаже на дальнем плане. Живописец, мозаичист, декоратор и мастер инкрустации, Учелло был одним из самых искусных и добросовестных мастеров своего времени.
Основное внимание Паоло Уччелло уделял ракурсу, сложным разворотом многочисленных фигур. Перспектива понималась Уччелло не просто как художественный прием, а как общий для природы и искусства закон.
Произведениям Уччелло свойственны смелые, динамичные композиционные построения, звучность яркого, нарядного колорита, поэтическая сказочность (“Битва святого Георгия с драконом”, Музей Жакмар-Андре, Париж и Национальная галерея, Лондон) или героическая приподнятость образов (“Кондотьер Джованни Акуто”, фреска во флорентийском соборе Санта-Мария дель Фьоре, 1436). Своеобразие творческой манеры Уччелло проявилось в изобилии деталей и необычных форм, в воображаемом пейзаже на дальнем фоне.
Альберти Леон Баттиста (Alberti Leon Battista) (1404–1472)
Имя Альберти по праву называется одним из первых среди великих творцов культуры итальянского Возрождения. Его теоретические сочинения, его художественная практика, его идеи и, наконец, сама его личность гуманиста сыграли исключительно важную роль в становлении и развитии искусства раннего Возрождения.
"Должен был появиться человек, - писал Леонардо Ольшки, - который, владея теорией и имея призвание к искусству и практике, поставил бы стремления своего времени на прочную основу и придал бы им определенное направление, в котором им предстояло развиваться в будущем. Этим многосторонним, но в то же время гармоническим умом был Леон Баттиста Альберти".
Леон Баттиста Альберти родился 18 февраля 1404 года в Генуе. Его отец - Леонардо Альберти, внебрачным сыном которого был Леон, принадлежал к одной из влиятельных купеческих фамилий Флоренции, изгнанной из родного города политическими противниками.
Первоначальное образование Леон Баттиста получил в Падуе, в школе известного гуманиста-педагога Гаспарино да Барцицца, а после смерти отца в 1421 году уехал в Болонью, где изучал в университете каноническое право и посещал лекции Франческо Филельфо по греческому языку и литературе. По окончании университета в 1428 году ему было присвоено звание доктора канонического права. Изучал право в Болонье, в дальнейшем жил во Флоренции и Риме. В теоретических трактатах “О статуе” (1435), “О живописи” (1435–1436), “О зодчестве” (опубликован в 1485) опыт современного ему искусства Италии Альберти обогатил достижениями гуманистической науки и философии. Леон Баттиста Альберти выступал в защиту “народного” (итальянского) языка как литературного, в этическом трактате “О семье” (1737-1441) разрабатывал идеал гармонически развитой личности. В архитектурном творчестве Альберти тяготел к смелым, экспериментальным решениям.
Леон Баттиста Альберти разработал новый тип палаццо с фасадом, на всю высоту обработанным рустом и расчлененным тремя ярусами пилястр, которые выглядят конструктивной основой здания (палаццо Ручеллаи во Флоренции, 1446–1451, построен Б.Росселлино по планам Альберти). Перестраивая фасад церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции (1456-1470), Альберти впервые применил волюты для соединения его средней части с пониженными боковыми. Стремясь к величию и в то же время к простоте архитектурного образа, Альберти в оформлении фасадов церквей Сан-Франческо в Римини (1447–1468) и Сант-Андреа в Мантуе (1472–1494) использовал мотивы древнеримских триумфальных арок и аркад, что стало важным шагом в освоении мастерами Возрождения античного наследия.
Альберти был не только крупнейшим архитектором середины 15 века, но и первым энциклопедистом-теоретиком в итальянском искусстве, перу которого принадлежит ряд выдающихся научных трактатов, посвященных искусству (трактаты о живописи, скульптуре и архитектуре, включая его знаменитый труд «Десять книг о зодчестве»). Альберти оказал существенное влияние на современную ему архитектурную практику не только своими постройками, необычными и глубоко своеобразными по композиционному замыслу и остроте художественного образа, но также и своими научными трудами в области архитектуры, в основу которых наряду с произведениями античных теоретиков был положен строительный опыт мастеров Возрождения. В отличие от других мастеров Ренессанса Альберти, как ученый-теоретик, не смог уделять достаточного внимания непосредственной деятельности на строительстве задуманных им сооружений, поручая их выполнение своим помощникам. Не всегда удачный выбор помощников-строителей привел к тому, что в сооружениях Альберти имеется ряд архитектурных ошибок, а качество строительных работ, архитектурных деталей и орнаментации было подчас невысоким. Однако огромная заслуга Альберти-архитектора заключается в том, что его постоянные новаторские искания подготовили почву для сложения и расцвета монументального стиля Высокого Возрождения.
"И поистине чудом величайшим было то, что век тот, и грубый, и неумелый, возымел силу проявить себя через Джотто столь мудро..." / Вазари /
Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone) (1266 или 1267-1337), флорентийский художник, величайший живописец и архитектор периода Предвозрождения.
В истории изобразительного искусства Западной Европы его имя стало символом глубокого обновления. Хотя он не был единственным художником-реформатором своего времени, однако целеустремленность, решительность, смелый разрыв с византийскими средневековыми живописными традициями делают его родоначальником нового искусства. Яркая личность Джотто выделяется среди итальянских мастеров Проторенессанса прежде всего склонностью к новаторству, к созданию новой художественной манеры, предопределившей классический стиль грядущей эпохи Возрождения.
В своих работах Джотто подчас достигал такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения. Он работал как живописец, скульптор и архитектор. Но все же главным его призванием была живопись.
Многолетняя деятельность Джотто подняла престиж живописи среди других искусств. Благодаря ему итальянская живопись в течение нескольких лет изменилась радикальнее, чем за многие предшествующие столетия. В целом толчок, который Джотто придал изобразительному мышлению, определил дальнейшее направление западной живописи. Уже к середине XIV века Европа познакомилась с новациями Джотто - открытием объемности предметов, реального и измеримого пространства, в котором они помещаются, естественных качеств поверхности вещей, индивидуализирующих черт реальности, - все это сделалось достоянием европейского искусства, которое со все возрастающим интересом обращалось к изобразительной культуре итальянцев.
Джотто - первый в истории западноевропейской живописи художник, порвавший с канонами средневекового искусства и внесший в свои произведения элементы реализма. Именно у Джотто живопись перестает быть лишь вспомогательным комментарием к Священному Писанию, обретая самостоятельное значение. В его библейских сценах действуют живые люди, испытывающие живые человеческие эмоции. Для современного изощренного глаза его живопись может показаться "примитивной", однако для своего времени Джотто был величайшим революционером. До него в живописи царствовала плоскость - у него пространство картины стало объемным. До него персонажи фресок носили скорее символический характер - у него они приобрели индивидуальные черты. До него живопись была строго функциональна - у него атмосфера наполнилась разнообразными эмоциями. С творчества Джотто начинается новый этап искусства, когда пластические качества предметов и глубина пространства становятся главной задачей живописи, когда первостепенное значение приобретает моделировка объема тенью.
Его влияние простирается на целые века. Творчество Джотто заложило основу искусства Ренессанса, в великую эпоху которого его значение было не меньше, чем значение Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэля или Мазаччо. На нашем сайте мы предлагаем познакомиться с биографией Джотто и его произведениями - фресками и картинами, столь новаторскими и реалистичными для своего времени.
Пизанелло Антонио (Pisanello Antonio) (1395-1455)
Итальянский живописец, рисовальщик и медальер эпохи Раннего Возрождения. Собственно, Антонио ди Пуччо ди Черрето (Antonio di Puccio di Cerreto). Антонио Пизанелло родился в 1395 году близ Вероны (по другой версии в Пизе), учился в северной Италии и испытал влияние Стефано да Дзевио, Альтикьеро и Джентиле да Фабриано. Работал при дворах Гонзага, д'Эсте, Висконти и Сфорца, а также в Венеции, Мантуе, Риме, Пизе, Ферраре и Неаполе. Получал заказы от папской курии и неаполитанского короля Альфонса V. Излюбленный художник аристократии, живописец, график и прославленный медальер, Пизанелло писал фрески и картины на религиозные и светские темы, воспевая жизнь уходящего с исторической арены феодального класса, изображая в них надменных феррарских принцесс в модных претенциозных костюмах, выполнял рисунки для тканей, ювелирных изделий, богатых сбруй, ошейников. Из его фресковых работ сохранились две композиции: «Благовещение» (1420-е; Верона, церковь Сан Фермо) и декоративная, насыщенная рыцарской романтикой роспись в церкви Санта Анастазия «Св. Георгий освобождает дочь трапезундского царя» (1430-е). Его картины «Видение святого Евстафия» и «Мадонна со святыми Антонием и Георгием» (Лондон, Национальная галлерея) также отмечены чертами воздействия готического искусства. В живописных произведениях Пизанелло, сформировавшегося под влиянием мастеров Вероны и ломбардской школы живописи 14-15 веков, готические традиции постепенно вытесняются ренессансными исканиями, поэтической одухотворенностью, красочным декоративизмом (фреска “Святой Георгий и принцесса” в церкви Сант-Анастазия в Вероне, около 1435-1438). Фреска “Святой Георгий и принцесса” является прекрасным образцом стиля Пизанелло. Сцена трактована скорее как пышное шествие придворных, а не как драматический эпизод. Персонажи одеты в богато расшитые костюмы и помещены на фоне пейзажа с животными, городом с чудесными дворцами, величественной процессией конных рыцарей, виселицей и морем. Каждая деталь выписана столь же тщательно, как в натурных зарисовках Пизанелло с изображениями животных, птиц, голов и фигур.
Антонио Пизанелло являлся одним из основоположников ренессансного портрета в Италии (портрет Джиневры д'Эсте, 1430-е годы, Лувр, Париж). Интересны его женские портреты Раннего Возрождения, в которых в полной мере проявился светский дух искусства. На картине Пизанелло “Портрет принцессы из дома д`Эсте” в тщательно прорисованном элегантном женском профиле художник сумел передать глубокую психологическую характеристику образа. Горделивая осанка и достоинство сочетаются с внешним изяществом и красотой светской дамы.
Готическую условность, лиричность, изысканность рисунка и цвета сочетал с тонким наблюдением человека и природы. С наибольшей яркостью эти тенденции творчества Пизанелло отражены в его рисунках - зарисовках животных и костюмов, штудиях фигур, в том числе обнаженных.
Однако в своих многочисленных рисунках, исполненных пером и серебряным карандашом, иногда подцвеченных акварелью, Пизанелло является ярким представителем раннее ренессансного реализма. Обнаруживая живую наблюдательность и знание натуры, он в своих тонких по мастерству набросках животных (многие из которых хранятся в Лувре) — «Мул», «Лань», «Волки» (карандаш), «Заяц», «Утки», «Ягуар» (акварель) предвосхищает рисунки Леонардо да Винчи. Помимо Этого ему принадлежит большое количество эскизов и набросков декоративного характера. Среди них следует выделить исключительный по тонкой светотеневой лепке эскиз мужского лица к невыполненному портрету (Лувр).
Пизанелло был также одним из крупнейших медальеров Возрождения (медали в честь Лионелло д'Эсте, 1444, Чечилии Гонзаго, 1447, Альфонса Арагонского, 1448-1449 и другие). Медали Пизанелло представляют большую ценность прежде всего благодаря точному портретному сходству с изображенными на них людьми – знаменитыми современниками художника. В основе этих портретов лежат произведения древнеримского медальерного искусства. Обычно на аверсе медали Пизанелло помещал профильное изображение головы заказчика в окружении девиза, а на реверсе – сцену, прославляющую одну из добродетелей или демонстрирующую одно из славных деяний медальируемого. После Пизанелло ни один другой мастер медальерного искусства не достигал такого мастерства в построении композиции и столь блестящей лаконичности и ясности. Антонио Пизанелло умер в Риме в 1455 году.
Задание: фреска Джотто - «Избиение младенцев» - определить, какие особен¬ности творческой манеры Джотто можно выделить (необходимый ответ: 1 - сценическое единство; 2 - джоттовский мотив (пристально взирающие друг другу в глаза люди); 3 - светотень; 4 - намечается глубина пространства - при необходимости возможно повторение задания на основе какой либо другой фрески Джотто.
Назвать представителей флорентийской школы живописи Раннего Ренессанса?
https://youtu.be/UqCKjbJUx-k
Мы с вами продолжим знакомство с новой культурой- культурой Ренессанса.
Запись в тетради: «Живопись Проторенессанса и Раннего возрождения»
"Это, несомненно, золотой век, который вернул свет свободным искусствам". / Марсилио Фичино /
Возрождение – новый этап в развитии мировой культуры. В центре искусства Возрождения вновь оказался человек. Люди были подняты над землей до уровня богов. Средневековый теоцентризм сменяет антропоцентризм.
Эту эпоху называют веком гениев, веком титанов, веком утверждения человеческой личности, идет активный поиск человеческой индивидуальности. Всеобщая культурная переориентация привела к возникновению нового типа эстетического сознания, это время рождения новой европейской культуры. Гуманизм начал с системы отказа от средневекового образования. В средние века наука носила элитарный, замкнутый в университетских стенах характер.
Возрождение считает, что человек должен учиться, чтобы управлять миром. Мир открывался человеку через науку и ощущение красоты. Человек сам определяет свое место в мире. Он сам формирует свой образ, очищая душу от страсти, достигает гармонии внутреннего мира и познает красоту природы.
Главное в эстетике Возрождения:
– утверждение величия, мощи и красоты человека;
- отрицание бессмертия (земная жизнь остается единственным и неповторимым достоянием человека);
- возвеличение земной красоты, счастья, наслаждения телесного;
- возвеличение мысли и сомнения, отрицание догмы, фанатизма, страдания;
- гуманизм человеческого величия.
Искусство Возрождения возникало в условиях переходного от феодализма к капитализму. Ренессанс возникал из предшествующей традиции средневековья. Это было единство отрицания и продолжения. Критерием Возрождения служило возобновление знаний греческой и латинской классики, т.е. возрождение античности.
«Джованни Чимабуэ (Ченни ди Пепо)( (1240/45-1301)
Нескончаемым потоком бедствий, затопившим и низвергшим в бездну несчастную Италию, не только были разрушены памятники архитектуры, которые по праву таковыми могли именоваться, но, что еще существеннее, как бы уничтожены были совершенно и все художники. И вот тогда-то, по воле божией, и родился в городе Флоренции в 1240 году, дабы возжечь первый свет искусству живописи, Джованни по фамилии Чимабуе (Чимабуэ), из благородного рода тех времен Чимабуи.
Когда же он подрос, отец да и другие признали в нем прекрасный и острый ум и для усовершенствования в науках он был отдан в Санта Мариа Новелла к учителю, его родственнику, обучавшему тогда грамматике послушников этой обители. Однако Чимабуе, чувствуя к тому влечение своей природы, вместо того чтобы заниматься науками, проводил весь день за рисованием в книжках и на всяких листочках людей, лошадей, построек и всего, что только ему ни приходило в голову. Этой склонности его натуры благоприятствовала и судьба, ибо тогдашними правителя ми Флоренции были приглашены несколько живописцев из Греции именно для того, чтобы вернуть Флоренции живопись, скорее сбившуюся с пути, чем погибшую. Наряду с другими работами, заказанными им в городе, они начали капеллу Гонди, своды и стены коей ныне почти целиком повреждены временем, что можно видеть в Санта Мариа Новелла рядом с главной капеллой, где капелла Гонди и находится.
А Чимабуе, который уже начал заниматься привлекавшим его искусством, частенько убегал из школы и простаивал целыми днями, наблюдая за работой названных мастеров. В конце концов и отец и живописцы эти признали его настолько способным к живописи, что, как они надеялись, можно было от него ожидать заслуженных успехов, если посвятить его этому занятию. И к немалому его удовольствию, отец его заключил с ними соглашение. Постоянно таким образом упражняясь, он получил и от природы такую помощь, что за короткое время намного превзошел как в рисунке, так и в колорите манеру обучавших его мастеров: ведь они, не заботясь о том, чтобы двигаться вперед, выполняли названные работы так, как их можно видеть и ныне, то есть не в доброй древнегреческой манере, а в неуклюжей, новой, того времени. Он же, хотя и подражал этим грекам, все же во многом усовершенствовал искусство, почти целиком отказавшись от их неуклюжей манеры, и прославил свою родину своим именем и созданными им творениями. Об этом свидетельствуют во Флоренции его живописные произведения, такие как запрестольный образ в Санта Чечилиа, а в Санта Кроче доска с Богоматерью, и поныне висящая на одном из столбов в правой части хора. Позднее он изобразил на небольшой доске на золотом фоне св. Франциска и написал его, что было для тех времен делом новым, с натуры и, как только мог, лучше, а вокруг него все истории из его жизни в двадцати клеймах с крохотными фигурками на золотом фоне.
После этого, приняв от монахов Валломброзы для аббатства Санта Тринита во Флоренции заказ на большую доску и вложив в нее большое старание, дабы оправдать славу, уже им завоеванную, он показал еще большую изобретательность и прекрасные приемы в позе Богоматери, изображенной на золотом фоне с сыном на руках и в окружении многочисленных ангелов, ей поклоняющихся. Когда доска эта была закончена, она была помещена названными монахами на главном алтаре упомянутой церкви; позднее же она была заменена на этом месте находящейся там доской Длессо Бальдовинетти и поставлена в малую капеллу левого нефа упомянутой церкви.
Затем он работал над фресками в больнице Порчеллана на углу Виа-Нуова, ведущей в предместье Оньисанти; на переднем фасаде, где с одной стороны главной средней двери была дева Мария, принимающая благую весть от ангела, а с другой Иисус Христос с Клеофой и Лукой — фигуры в натуральную величину, он убрал все старье, сделав на этих фресках ткани, одежду и другие вещи несколько более живыми, естественными и в манере более мягкой, чем манера упомянутых греков, изобилующая всякими линиями и контурами, как в мозаике, так и в живописи; манеру же эту, сухую, неуклюжую и однообразную, приобрели они не путем изучения, а по обычаю, передававшемуся от одного живописца тех времен к другому в течение многих лет без всякой мысли об улучшении рисунка, о красоте колорита или о какой-либо хорошей выдумке.
После этого Чимабуе, приглашенный тем же настоятелем, который заказывал ему работы в Санта Кроче, сделал для него большое деревянное распятие, которое можно видеть в церкви и ныне; работа эта стала причиной того, что настоятель, довольный хорошо выполненным заказом, отвез Чимабуе в свой монастырь Св. Франциска в Пизе для написания образа св. Франциска, который был признан тамошними людьми произведением редкостным, ибо можно было усмотреть в нем, как в выражении лица, так и в складках одежды, нечто лучшее, чем греческая манера, применявшаяся до той поры и в Пизе, и во всей Италии. Затем Чимабуе для этой же церкви написал на большой доске Богоматерь с младенцем на руках, окруженную многочисленными ангелами, также на золотом фоне; вскоре этот образ был снят оттуда, где был помещен первоначально, а на его месте был воздвигнут мраморный алтарь, находящийся там и поныне; образ же был помещен внутри церкви слева от двери; за эту работу он заслужил от пизанцев много похвал и наград. В том же городе Пизе по заказу тогдашнего аббата Сан Паоло ин Рипа д'Арно он написал на небольшой доске св. Агнесу, а вокруг нее — все истории ее жития с маленькими фигурками; дощечка эта находится ныне над алтарем св. Девы в названной церкви.
А так как благодаря этим произведениям имя Чимабуе стало повсюду весьма знаменитым, он был приглашен в Ассизи, город в Умбрии, где в содружестве с несколькими греческими мастерами он расписал в нижней церкви Св. Франциска часть сводов, а на стенах написал жизнь Иисуса Христа и св. Франциска, и в этих картинах он превзошел намного названных греческих живописцев, после чего, собравшись с духом, начал один расписывать фресками верхнюю церковь и в главной абсиде выполнил над хором на четырех стенах несколько историй о Богоматери, а именно Успение ее, когда душа ее возносится Христом на небеса на облачный трон и когда он венчает ее, окруженную сонмом ангелов, а внизу находится много святых мужей и жен, ныне исчезнувших от пыли и от времени. А на крестовых сводах этой же церкви, каковых всего пять, он изобразил равным образом многочисленные истории. На первом своде над хором он выполнил четырех евангелистов, более чем в натуральную величину, столь хорошо, что и ныне в них можно распознать много хорошего, а свежесть колорита человеческого тела указывает на то, что живопись трудами Чимабуе начала делать большие успехи в искусстве фрески. Второй свод он заполнил золотыми звездами на ультрамариновом фоне. На третьем в нескольких тондо он выполнил Иисуса Христа, Пресвятую Деву, его мать, св. Иоанна Крестителя и св. Франциска, то есть в каждом тондо по фигуре и в каждой четверти свода по тондо. Между этим и пятым сводом он расписал четвертый, так же, как и второй, золотыми звездами на ультрамариновом фоне. На пятом же изобразил четырех отцов церкви и возле каждого из них по одному из четырех первых монашеских орденов — задача, несомненно, трудная, но выполненная им с бесконечным усердием.
Возвратимся, однако, к Чимабуе. Джотто поистине затмил его славу, подобно тому как большой светоч затмевает сияние намного меньшего; и потому, хотя Чимабуе чуть не стал первопричиной обновления искусства живописи, тем не менее воспитанник его Джотто, движимый похвальным честолюбием и с помощью неба и природы, стал тем, кто, поднимаясь мыслью еще выше, растворил ворота истины для тех, кои позже довели ее до той ступени совершенства и величия, на которой мы видим ее в нынешний век. Век этот, привыкший к тому, чтобы ежедневно видеть чудеса и дива и то, как художники творят в этом искусстве невозможное, дошел ныне до то го, что уже не дивится творению человека, хотя бы оно было более божественным, чем человеческим. А для тех, кто похвально трудился, хорошо уже и то, если вместо похвалы и восхищения они не будут награждены порицанием, а то и срамом, как это случается нередко.
Портрет Чимабуе можно видеть в капитуле Санта Мариа Новелла, написанным рукой Симоне Сиенца в профиль, в истории Веры; это фигура с худощавым лицом, небольшой бородкой, рыжеватой и остроконечной, и в капюшоне, какой носили в те времена, прекрасно облегающем лицо кругом и шею. Тот же, кто стоит возле, и есть сам Симоне, мастер этого произведения, изобразивший себя при помощи двух зеркал, из которых одно отражается в друтом так, чтобы голова видна была в профиль. А воин, закованный в латы, стоящий между ними, — это, как говорят, граф Гвидо Новелло, тогдашний владелец Поппи.
Остается сказать о Чимабуе, сколько хороших качеств приобрело искусство рисунка благодаря его творениям.
Мартини Симоне (Martini Simone) (около 1284-1344)
Итальянский живописец. Работал в Тоскане, а также в Неаполе (1317), Орвието (1320), Ассизи (1320-е годы) и Авиньоне (с 1340). Мастер сиенской школы, Мартини был последователем и, возможно, учеником Дуччо ди Буонинсенья, испытал влияние живописи французской готики.
Современник и друг Петрарки, Симоне Мартини кроме Сиены работал в Ассизи, в Авиньоне и Неаполе. К 1315 году относится его известная фреска “Маэста”, во многом аналогичная по композиции с иконой Дуччо, но написанная не для церкви, а для зала Большого совета Палаццо Пубблико. Уже одним этим она приобретала более светский и парадный характер; в смысле своей композиции она также отличалась большей пространственностью и свободой, которые, однако, прихотливым образом сочетались в произведениях Симоне с плоскостным декоративным началом. В этой фреске все фигуры, начиная с мадонны, отмечены чертами готического изящества и элегантности, в какой-то степени отражающими черты рыцарского быта, к которому Симоне Мартини испытывал большой интерес. Женские образы приобретают в трактовке сиенского мастера гораздо большую мягкость и поэтическую одухотворенность; помимо этого они обладают большей объемностью, чем фигуры Дуччо. Причудливая смесь северноготических средневековых форм, заимствованных из французской книжной миниатюры, и реалистического начала, проникшего в сиенскую живопись после Джотто, отразилась во фреске Симоне Мартини, исполненной им в 1328 году также для сиенской ратуши, изображающей полководца Гвидориччо да Фольяно, едущего на коне. Эта фреска, написанная на противоположной от фрески “Маэста” стене, приобретала своего рода символическое значение, так как была трактована художником как призыв к военному возрождению республики. Помимо того, что здесь была предпринята попытка изобразить, правда, еще условный, но с намеками на перспективу пейзаж — рыжие холмы с феодальными Замками и крепостями на фоне синего неба, — эта фреска важна тем, что здесь создан один из первых портретов в искусстве треченто, выражавший еще не индивидуальные, а обобщенно-типические черты кондотьера. Этот всадник в одеянии, украшенном узором из ромбов, таким же, какой украшает чепрак его коня,— является прототипом многочисленных конных памятников, исполненных в скульптуре и в живописи итальянскими мастерами 15 века.
В произведениях художника Симоне Мартини (фрески в Палаццо Публико в Сиене - "Маэста", 1315, и изображение кондотьера Гвидориччо да Фольяно, 1328; росписи со сценами из жизни святого Мартина Турского в Нижней церкви Сан-Франческо в Ассизи, около 1326; алтарный образ “Благовещение”, 1333, Уффици) главенствующее место занимают идеалы позднерыцарской культуры с присущими ей утонченным спиритуализмом, любовью к изысканным линиям и силуэтам, эмоционально выразительному, мягкому колориту.
"Благовещение" — одна из самых лучших работ художника. Бесплотная фигура мадонны, задрапированная в темно-синий плащ, выделяющий ее изящный силуэт на золотом фоне, представлена в эффектном эмоциональном и цветовом контрасте с фигурой стоящего перед ней на коленях светлого ангела с большими узорными крыльями. В центре между фигурами помещена золотая граненая ваза с высокими лилиями. На боковых створках композиции изображены святые. Овеянное тонким лиризмом, это произведение с его нежными звучными красками и плавной мелодией линий, создающих гибкие контуры фигур, характеризует творческий расцвет мастера. Маленькая Мадонна из сцены “Благовещение” (Эрмитаж, Санкт-Петербург), написанная на золотом тисненом фоне, с ее легким и изысканным силуэтом невесомой и изящной фигурки, узким овалом лица, с миндалевидным разрезом глаз и тонкими длинными пальцами также является одним из шедевров Симоне Мартини. Прелесть его женских образов была близка по своему духу к поэзии Петрарки, и не случайно именно Симоне Мартини поэт поручил выполнить портрет своей бессмертной возлюбленной Лауры. Для сиенцев Симоне Мартини был самым любимым художником, унаследовавшим от Дуччо лучшее, что он имел, но раскрепостившим вместе с тем сиенскую живопись от гнета византийских традиций и придавшим ей светский оттенок, красоту, декоративную выразительность — качества, которые должны были нравиться его современникам. Симоне Мартини работал также в Ассизи, где участвовал в росписях нижней церкви Сан Франческо. Из сохранившихся его ассизских фресок очень красив фрагмент с изображением музыкантов из композиции «Посвящение святого Мартина в рыцари».
Искусство Симоне Мартини особенно далеко от флорентийского варианта треченто. Живописцу присуща тончайшая духовность, нередко столь возвышенно-отрешенная, что она как бы очищена от конкретных человеческих эмоций. Работая в Авиньоне, Мартини сблизился с Франческо Петраркой, исполнил для него портрет Лауры (не сохранился) и фронтиспис к манускрипту Вергилия (библиотека Амброзиана, Милан). Искусство Симоне Мартини послужило образцом для многочисленных подражаний, получив известность в других городах Италии и странах средневековой Европы, однако в формировании искусства Возрождения оно сыграло незначительную роль, так как не заключало в себе тех принципиально новых художественных реформ, которые были необходимы для создания нового, реалистического стиля.
ФРА БЕАТО АНДЖЕЛИКО ДА ФЬЕЗОЛЕ (Гвидо ди Пьетро)
Доминиканский монах Гвидо ди Пьетро, принявший после пострига имя Джованни, привлек внимание современников своим бесспорным выдающимся талантом, как и благочестивой жизнью. В 1984 г. он был официально причислен к лику блаженных.
Его современники, потрясенные видом фресок, именовали скромного монаха из Фьезолы как Беато, что значит "блаженный". Также упоминая его имя присоединяли эпитет Анджелик, что значит "ангельский". Со времением это прозвание заменило имя Гвидо ди Пьетро, и во всем мире он прославился как Фра Беато Анджелико да Фьезоле.
Произведениям фра Беато характерны созерцательность и мягкий лиризм. Он считается последним художником, в работах которого прослеживается отжившая средневековая наивность в период, когда натурализм и гуманизм Ренессанса покорял Европу. Хотя в целом его работы напоминают стиль Джотто однако в них также прослеживаются новые веяния, отличающие произведения флорентийских мастеров, такие как объемность форм, передача перспективы, придание глубины изображению. Нежные образы, созданные Беато Анджелико, объединяют в себе реализм и романтизм, присущий Мадоннам Симоне Мартини, особенно в «Благовещении». Симрение, кротость, целомудрие, благочестие, глубокая вера, по свидетельству современников, были свойственны характеру Фра Джованни, и это, бесспорно, можно увидеть и во всех его работах.
Роспись «Мадонна с Младенцем, Святыми Домиником и Фомой Аквинским» изначально украшала стену зала капитула монастыря во Фьезоле. Когда монастырь был упразднен, фреску вырезали вместе с частью цены. Позднее ее продали с аукциона.
В коллекции Эрмитажа также хранится ранняя работа благочестивого художника – «Мадонна Симрения». Предполагают, что она была написана 1420-е годы, однако некоторые исследователи выдвигают версию, что она была создана еще раньше. Этой алтарной панели прослеживается влияние творчества Дона Лоренцо Монако, монаха камальдульского ордена в монастыре дельи Анджели, который, возможно был одним из первых учителей фра Беато Анджелико. Пьетро делла Франческа.
Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. В 1439 работал в мастерской Доменико Венециано во Флоренции; испытал влияние Мазаччо, Филиппо Брунеллески, мастеров нидерландской живописи. С 1442 работал преимущественно в Сан-Сеполькро и Урбино, а также в Ферраре, Римини, Риме, Ареццо. Уже в произведениях 1450-х годов (“Крещение Христа, 1450-1455, Национальная галерея, Лондон; Мадонна делла Мизерикордия, около 1450-1462, Коммунальная пинакотека, Сан-Сеполькро; “Бичевание Христа, около 1455-1460, Национальная галерея Марке, Урбино) проявились основные черты искусства Пьетро делла Франческа: величавость образов, объемность форм, прозрачность приглушенного колорита, перспективное построение пространства.
Об исключительном колористическом даровании художника свидетельствуют цикл фресок "История животворящего Креста" в церкви Сан-Франческо в Ареццо (1452-1466), исполненных в тончайшей гамме бледно-розовых, фиолетовых, красных, синих и серых тонов. Обобщая объёмы фигур и развёртывая композиции параллельно плоскости стены, на фоне спокойных ясных ландшафтов, Пьетро делла Франческа добивается в этих росписях впечатления просветленной торжественности, гармоничной целостности картины мироздания. Присущее его произведениям внутреннее благородство обретает особую возвышенность во фреске “Воскресение Христа” (около 1463, Коммунальная пинакотека, Сан-Сеполькро).
Около 1465 Пьетро делла Франческа исполнил отмеченные чеканной остротой форм и глубиной психологической характеристики профильные портреты герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро и его супруги Баттисты Сфорца (Уффици), в которых значительную композиционную и эмоциональную роль играют насыщенные светом и воздухом далекие пейзажные фоны. Федериго да Монтефельтро и его жена Баттиста Сфорца изображены в профиль, но трактовка их лиц сильно отличается от плоскостных портретных изображений Доменико Венециано. Округлыми контурами, мягкой светотенью художник достигает пластической объемности лиц, словно вылепив их светом и красками. Лишенный всякой идеализации властный профиль герцога Урбинского, изображенного в красной одежде и того же цвета шапке, четко выделяется на фоне бледного неба и далекого голубовато-серого пейзажа, насыщенного светом и воздухом. Низкий горизонт усиливает монументальность его фигуры, господствующей над окружающей природой. На обороте картины изображен триумф герцогов Урбинских, по величайшей тщательности письма приближающийся к нидерландской живописной технике. В поздних произведениях Пьеро делла Франческа светотень становится мягче и прозрачнее, передача световых и воздушных Эффектов и разработка живописных деталей еще нежнее и тоньше, что указывает на знакомство художника с образцами нидерландской живописи, пользовавшейся большим успехом у итальянских художникоя (Рогир ван дер Вейден, Нос ван Гент). Примером позднего творчества Пьеро делла Франческа может служить замечательное, выдержанное в серебристо-лунном, воздушном колорите “Поклонение волхвов” (Лондон, Национальная галерея). В поздних работах Пьетро делла Франческа (“Рождество”, 1475) светотень становится более мягкой, большое значение приобретает рассеянный серебристый свет.
В конце жизни мастер оставил занятие живописью и полностью отдался сочинению научных трактатов о перспективе и геометрии. Пьетро делла Франческа принадлежат два научных трактата: “О перспективе в живописи”, в котором под влиянием Леона Баттиста Альберти художник дает математическую разработку приемов перспективы, и “Книжица о пяти правильных телах”, посвященный практическому решению некоторых проблем стереометрии. Творчество Пьетро делла Франческа заложило основы искусства Возрождения в живописи Средней и Северной Италии, оказало значительное воздействие на развитие венецианской и флорентийской школ. Пьеро делла Франческа по праву занимает почетное место в ряду самых известных художников 15 века.
Антонелло да Мессина (Antonello da Messina) (около 1430–1479)
Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. Работал главным образом в Мессине на острове Сицилия. Около 1450 переехав в Неаполь, учился у Николо Колантонио — живописца, связанного с нидерландской традицией. В 1475–1476 работал в Венеции. Антонелло да Мессина был дружен со многими венецианскими художниками, особенно с Джованни Беллини, перенявшими у него в известной мере живописную технику.
Антонелло да Мессина одним из первых в Италии стал работать в технике чистой масляной живописи. Он заимствовал у нидерландских художников технику масляной живописи, что позволило ему сочетать свойственные северным живописцам тщательность письма, обилие деталей, глубину светонасыщенного цвета с монументальностью замысла, тонкой передачей пространства, света и воздуха, спокойствием и классической уравновешенностью образов («Распятие, Мария и Иоанн», 1475, Национальная галерея, Лондон; «Святой Себастьян», Картинная галерея, Дрезден).
Зрелое творчество Антонелло да Мессина представляет собой сплав итальянских и нидерландских элементов. Написанные им в Венеции картины считаются лучшими в его творчестве. Антонелло да Мессина также внес значительный вклад в развитие ренессансного портрета (так называемый «Кондотьер», 1475, Музей Лувр, Париж).
На картине Антонелло да Мессина зритель видит святого Иеронима, погруженного в чтение в своей келье. Только лев справа замер, прислушиваясь к доносящимся снаружи звукам. Возможно, Антонелло да Мессина в некоторых отношениях испытал влияние нидерландской живописи: детали в роде предметов на полках, изразцового пола, птиц, устроившихся на подоконнике, а также характер света - все это напоминает яркий реализм картин Робера Кампена и Яна нан Эйка.
Нет никаких свидетельств того, что Антонелло да Мессина когда-либо покидал Италию, но он, видимо, был знаком с техникой нидерландских мастеров. Согласно некоторым источникам, он обучался технике масляной живописи у самого мастера Ван Эйка, а затем принес секрет этого метода в Италию. Более вероятно, что Антонелло испытал влияние фламандских художников в Милане. В 1475-1476 годах Антонелло да Мессина был в Венеции, где его новаторская техника оказала большое влияние на Джованни Беллини и других современников.
Уччелло Паоло (Uccello Paolo) (1397-1475)
Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. Собственно, настоящая фамилия художника ди Доно (di Dono). Работал во Флоренции в мастерской Лоренцо Гиберти в 1407-1411 годах, а также в Венеции, Падуе и Урбино. В ранний период творчества Уччелло тяготел к традициям поздней готики, но под влиянием Донателло, Филиппо Брунеллески, Мазаччо страстно увлекся проблемами нового ренессансного искусства. Органически сочетая любовь к живописи и к науке, он изучал строение растений и животных, законы построения пространства по правилам математической перспективы.
Уччелло создал три варианта монументальной исторической композиции “Битва при Сан-Романо” (середина 1450-х годов, Уффици, Лувр, Париж и Национальная галерея, Лондон ), ставшей одним из истоков европейского батального жанра. Эта картина “Битва при Сан-Романо” является одной из трех работ Учелло, изображающих победу флорентийцев над сиенцами в битве при Сан-Романо в 1432 году. Первоначально они висели в большом зале Палаццо Медичи во Флоренции. Здесь показан флорентийский полководец Никколо да Толентино, сидящий на белом коне. Учелло был страстно увлечен передачей пространства и перспективного сокращения. Это особенно заметно в том, как показана лежащая на земле фигура в доспехах и сломанные пики, словно упавшие прямо на линии перспективы. Однако талант Учелло проявился и в изобилии деталей и странных форм. а также в изумительном воображаемом пейзаже на дальнем плане. Живописец, мозаичист, декоратор и мастер инкрустации, Учелло был одним из самых искусных и добросовестных мастеров своего времени.
Основное внимание Паоло Уччелло уделял ракурсу, сложным разворотом многочисленных фигур. Перспектива понималась Уччелло не просто как художественный прием, а как общий для природы и искусства закон.
Произведениям Уччелло свойственны смелые, динамичные композиционные построения, звучность яркого, нарядного колорита, поэтическая сказочность (“Битва святого Георгия с драконом”, Музей Жакмар-Андре, Париж и Национальная галерея, Лондон) или героическая приподнятость образов (“Кондотьер Джованни Акуто”, фреска во флорентийском соборе Санта-Мария дель Фьоре, 1436). Своеобразие творческой манеры Уччелло проявилось в изобилии деталей и необычных форм, в воображаемом пейзаже на дальнем фоне.
Альберти Леон Баттиста (Alberti Leon Battista) (1404–1472)
Имя Альберти по праву называется одним из первых среди великих творцов культуры итальянского Возрождения. Его теоретические сочинения, его художественная практика, его идеи и, наконец, сама его личность гуманиста сыграли исключительно важную роль в становлении и развитии искусства раннего Возрождения.
"Должен был появиться человек, - писал Леонардо Ольшки, - который, владея теорией и имея призвание к искусству и практике, поставил бы стремления своего времени на прочную основу и придал бы им определенное направление, в котором им предстояло развиваться в будущем. Этим многосторонним, но в то же время гармоническим умом был Леон Баттиста Альберти".
Леон Баттиста Альберти родился 18 февраля 1404 года в Генуе. Его отец - Леонардо Альберти, внебрачным сыном которого был Леон, принадлежал к одной из влиятельных купеческих фамилий Флоренции, изгнанной из родного города политическими противниками.
Первоначальное образование Леон Баттиста получил в Падуе, в школе известного гуманиста-педагога Гаспарино да Барцицца, а после смерти отца в 1421 году уехал в Болонью, где изучал в университете каноническое право и посещал лекции Франческо Филельфо по греческому языку и литературе. По окончании университета в 1428 году ему было присвоено звание доктора канонического права. Изучал право в Болонье, в дальнейшем жил во Флоренции и Риме. В теоретических трактатах “О статуе” (1435), “О живописи” (1435–1436), “О зодчестве” (опубликован в 1485) опыт современного ему искусства Италии Альберти обогатил достижениями гуманистической науки и философии. Леон Баттиста Альберти выступал в защиту “народного” (итальянского) языка как литературного, в этическом трактате “О семье” (1737-1441) разрабатывал идеал гармонически развитой личности. В архитектурном творчестве Альберти тяготел к смелым, экспериментальным решениям.
Леон Баттиста Альберти разработал новый тип палаццо с фасадом, на всю высоту обработанным рустом и расчлененным тремя ярусами пилястр, которые выглядят конструктивной основой здания (палаццо Ручеллаи во Флоренции, 1446–1451, построен Б.Росселлино по планам Альберти). Перестраивая фасад церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции (1456-1470), Альберти впервые применил волюты для соединения его средней части с пониженными боковыми. Стремясь к величию и в то же время к простоте архитектурного образа, Альберти в оформлении фасадов церквей Сан-Франческо в Римини (1447–1468) и Сант-Андреа в Мантуе (1472–1494) использовал мотивы древнеримских триумфальных арок и аркад, что стало важным шагом в освоении мастерами Возрождения античного наследия.
Альберти был не только крупнейшим архитектором середины 15 века, но и первым энциклопедистом-теоретиком в итальянском искусстве, перу которого принадлежит ряд выдающихся научных трактатов, посвященных искусству (трактаты о живописи, скульптуре и архитектуре, включая его знаменитый труд «Десять книг о зодчестве»). Альберти оказал существенное влияние на современную ему архитектурную практику не только своими постройками, необычными и глубоко своеобразными по композиционному замыслу и остроте художественного образа, но также и своими научными трудами в области архитектуры, в основу которых наряду с произведениями античных теоретиков был положен строительный опыт мастеров Возрождения. В отличие от других мастеров Ренессанса Альберти, как ученый-теоретик, не смог уделять достаточного внимания непосредственной деятельности на строительстве задуманных им сооружений, поручая их выполнение своим помощникам. Не всегда удачный выбор помощников-строителей привел к тому, что в сооружениях Альберти имеется ряд архитектурных ошибок, а качество строительных работ, архитектурных деталей и орнаментации было подчас невысоким. Однако огромная заслуга Альберти-архитектора заключается в том, что его постоянные новаторские искания подготовили почву для сложения и расцвета монументального стиля Высокого Возрождения.
"И поистине чудом величайшим было то, что век тот, и грубый, и неумелый, возымел силу проявить себя через Джотто столь мудро..." / Вазари /
Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone) (1266 или 1267-1337), флорентийский художник, величайший живописец и архитектор периода Предвозрождения.
В истории изобразительного искусства Западной Европы его имя стало символом глубокого обновления. Хотя он не был единственным художником-реформатором своего времени, однако целеустремленность, решительность, смелый разрыв с византийскими средневековыми живописными традициями делают его родоначальником нового искусства. Яркая личность Джотто выделяется среди итальянских мастеров Проторенессанса прежде всего склонностью к новаторству, к созданию новой художественной манеры, предопределившей классический стиль грядущей эпохи Возрождения.
В своих работах Джотто подчас достигал такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения. Он работал как живописец, скульптор и архитектор. Но все же главным его призванием была живопись.
Многолетняя деятельность Джотто подняла престиж живописи среди других искусств. Благодаря ему итальянская живопись в течение нескольких лет изменилась радикальнее, чем за многие предшествующие столетия. В целом толчок, который Джотто придал изобразительному мышлению, определил дальнейшее направление западной живописи. Уже к середине XIV века Европа познакомилась с новациями Джотто - открытием объемности предметов, реального и измеримого пространства, в котором они помещаются, естественных качеств поверхности вещей, индивидуализирующих черт реальности, - все это сделалось достоянием европейского искусства, которое со все возрастающим интересом обращалось к изобразительной культуре итальянцев.
Джотто - первый в истории западноевропейской живописи художник, порвавший с канонами средневекового искусства и внесший в свои произведения элементы реализма. Именно у Джотто живопись перестает быть лишь вспомогательным комментарием к Священному Писанию, обретая самостоятельное значение. В его библейских сценах действуют живые люди, испытывающие живые человеческие эмоции. Для современного изощренного глаза его живопись может показаться "примитивной", однако для своего времени Джотто был величайшим революционером. До него в живописи царствовала плоскость - у него пространство картины стало объемным. До него персонажи фресок носили скорее символический характер - у него они приобрели индивидуальные черты. До него живопись была строго функциональна - у него атмосфера наполнилась разнообразными эмоциями. С творчества Джотто начинается новый этап искусства, когда пластические качества предметов и глубина пространства становятся главной задачей живописи, когда первостепенное значение приобретает моделировка объема тенью.
Его влияние простирается на целые века. Творчество Джотто заложило основу искусства Ренессанса, в великую эпоху которого его значение было не меньше, чем значение Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэля или Мазаччо. На нашем сайте мы предлагаем познакомиться с биографией Джотто и его произведениями - фресками и картинами, столь новаторскими и реалистичными для своего времени.
Пизанелло Антонио (Pisanello Antonio) (1395-1455)
Итальянский живописец, рисовальщик и медальер эпохи Раннего Возрождения. Собственно, Антонио ди Пуччо ди Черрето (Antonio di Puccio di Cerreto). Антонио Пизанелло родился в 1395 году близ Вероны (по другой версии в Пизе), учился в северной Италии и испытал влияние Стефано да Дзевио, Альтикьеро и Джентиле да Фабриано. Работал при дворах Гонзага, д'Эсте, Висконти и Сфорца, а также в Венеции, Мантуе, Риме, Пизе, Ферраре и Неаполе. Получал заказы от папской курии и неаполитанского короля Альфонса V. Излюбленный художник аристократии, живописец, график и прославленный медальер, Пизанелло писал фрески и картины на религиозные и светские темы, воспевая жизнь уходящего с исторической арены феодального класса, изображая в них надменных феррарских принцесс в модных претенциозных костюмах, выполнял рисунки для тканей, ювелирных изделий, богатых сбруй, ошейников. Из его фресковых работ сохранились две композиции: «Благовещение» (1420-е; Верона, церковь Сан Фермо) и декоративная, насыщенная рыцарской романтикой роспись в церкви Санта Анастазия «Св. Георгий освобождает дочь трапезундского царя» (1430-е). Его картины «Видение святого Евстафия» и «Мадонна со святыми Антонием и Георгием» (Лондон, Национальная галлерея) также отмечены чертами воздействия готического искусства. В живописных произведениях Пизанелло, сформировавшегося под влиянием мастеров Вероны и ломбардской школы живописи 14-15 веков, готические традиции постепенно вытесняются ренессансными исканиями, поэтической одухотворенностью, красочным декоративизмом (фреска “Святой Георгий и принцесса” в церкви Сант-Анастазия в Вероне, около 1435-1438). Фреска “Святой Георгий и принцесса” является прекрасным образцом стиля Пизанелло. Сцена трактована скорее как пышное шествие придворных, а не как драматический эпизод. Персонажи одеты в богато расшитые костюмы и помещены на фоне пейзажа с животными, городом с чудесными дворцами, величественной процессией конных рыцарей, виселицей и морем. Каждая деталь выписана столь же тщательно, как в натурных зарисовках Пизанелло с изображениями животных, птиц, голов и фигур.
Антонио Пизанелло являлся одним из основоположников ренессансного портрета в Италии (портрет Джиневры д'Эсте, 1430-е годы, Лувр, Париж). Интересны его женские портреты Раннего Возрождения, в которых в полной мере проявился светский дух искусства. На картине Пизанелло “Портрет принцессы из дома д`Эсте” в тщательно прорисованном элегантном женском профиле художник сумел передать глубокую психологическую характеристику образа. Горделивая осанка и достоинство сочетаются с внешним изяществом и красотой светской дамы.
Готическую условность, лиричность, изысканность рисунка и цвета сочетал с тонким наблюдением человека и природы. С наибольшей яркостью эти тенденции творчества Пизанелло отражены в его рисунках - зарисовках животных и костюмов, штудиях фигур, в том числе обнаженных.
Однако в своих многочисленных рисунках, исполненных пером и серебряным карандашом, иногда подцвеченных акварелью, Пизанелло является ярким представителем раннее ренессансного реализма. Обнаруживая живую наблюдательность и знание натуры, он в своих тонких по мастерству набросках животных (многие из которых хранятся в Лувре) — «Мул», «Лань», «Волки» (карандаш), «Заяц», «Утки», «Ягуар» (акварель) предвосхищает рисунки Леонардо да Винчи. Помимо Этого ему принадлежит большое количество эскизов и набросков декоративного характера. Среди них следует выделить исключительный по тонкой светотеневой лепке эскиз мужского лица к невыполненному портрету (Лувр).
Пизанелло был также одним из крупнейших медальеров Возрождения (медали в честь Лионелло д'Эсте, 1444, Чечилии Гонзаго, 1447, Альфонса Арагонского, 1448-1449 и другие). Медали Пизанелло представляют большую ценность прежде всего благодаря точному портретному сходству с изображенными на них людьми – знаменитыми современниками художника. В основе этих портретов лежат произведения древнеримского медальерного искусства. Обычно на аверсе медали Пизанелло помещал профильное изображение головы заказчика в окружении девиза, а на реверсе – сцену, прославляющую одну из добродетелей или демонстрирующую одно из славных деяний медальируемого. После Пизанелло ни один другой мастер медальерного искусства не достигал такого мастерства в построении композиции и столь блестящей лаконичности и ясности. Антонио Пизанелло умер в Риме в 1455 году.
Задание: фреска Джотто - «Избиение младенцев» - определить, какие особен¬ности творческой манеры Джотто можно выделить (необходимый ответ: 1 - сценическое единство; 2 - джоттовский мотив (пристально взирающие друг другу в глаза люди); 3 - светотень; 4 - намечается глубина пространства - при необходимости возможно повторение задания на основе какой либо другой фрески Джотто.
Назвать представителей флорентийской школы живописи Раннего Ренессанса?
https://youtu.be/UqCKjbJUx-k
Здравствуйте ,можете пожалуйста перефразировать домашнее задание?
ОтветитьУдалитьМожете объяснить домашнее задание?
ОтветитьУдалить