30.03.2020
Тема: Художественная культура Ренессанса.
Флоренция – колыбель итальянского Возрождения.
Хорошего Вам дня, ребята!
Нам с вами, предстоит познакомиться с новой культурой- культурой Ренессанса ответить, что же представляла собой новая культура.
И сегодня, перед вами, я ставлю следующие задачи:
1) Почему Флоренцию называют колыбелью итальянского Возрождения? Каковы главные художественные достижения флорентийской школы?
2) Творчество Филиппо Брунеллески. Чем примечательны его архитектурные творения?
3) Скульптурные шедевры Донателло. Каковы основные сюжеты и темы его творчества?
4) Живописные произведения Мазаччо. Что, по-вашему, отличает творчество этого художника?
5) Какова творческая судьба Сандро Боттичелли? Какие из прославленных шедевров вам запомнились? Чем?
Задумывались ли вы когда-нибудь над тем, как богато человечество?
Наша духовная и материальная культура создавалась веками. Наследники, к сожалению, не всегда умеют ценить полученное богатство. Бывало, что люди уничтожали свои сокровища: разбивали грандиозные греческие статуи, сжигали книги, рушили храмы… Потом наступало прозрение – и начиналось паломничество в прошлое. Так случилось в эпоху, названную Ренессансом, Возрождением.
Ренессанс — это эпоха Возрождения, проходившего в Европе с XIV по XVI век.
В средневековье, которое предшествовало Ренессансу, отвергались многие вещи в жизни. Во время Возрождения оживилось образование, процветали торговля, искусство, музыка, литература и наука. Ренессанс изменил весь образ жизни Европы.
Колыбелью искусства периода Возрождения или Ренессанса (от фр. Renaissance– “Возрождение”) стала Италия. В итальянском искусстве, не считая проторенессансных (предренессансных) явлений XIII– XIV веков, различают Раннее (XV в.), Высокое (XV – 1 четверть XVI в.) и Позднее (XVI в.) Возрождение. В основе культуры Возрождения лежит принцип гуманизма. Гуманизм (от лат. humanus– человечный)– течение общественной мысли, которое зародилось в XIV веке в Италии, а затем на протяжении XV– XVI веков распространилось и в других европейских странах.
Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо, считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности.
В XV– XVI века Западная Европа переживала “золотой век” своей истории, в который Италия вступила на столетие раньше – в XIV веке. Появилось искусство во Флоренции в начале XIV века, отсюда оно распространилось на всю Италию. К концу XVI века новый стиль охватил почти всю Европу, постепенно вытеснив готику.
В начале XV в. Флоренция претендовала на роль главного города Италии, противопоставив себя «вечному городу» — Риму. Родина Возрождения – Флоренция. Здесь в 1410 -20 гг. произошел перелом от позднего готического искусства к искусству Возрождения. Флорен-ции было чем гордиться: здесь впервые были провозглашены демо¬кратические принципы: «Свобода есть неотъемлемое право, которое не может зависеть от произвола другого лица». Этот жизнеутверж¬дающий идеал свободы найдет свое отражение во многих произведе¬ниях искусства, ставшего частью общественной жизни.
Символ Флоренции — собор Санта-Мария дель Фьоре (1296— 1470). В самом центре города, над морем красных черепичных крыш, поднимается его гигантский купол. Чуть вытянутый силуэт собора виден с каждой улицы, с любой площади. Жители Флоренции хотели установить над собором огромный купол, но никому из архитекторов не удавалось перекрыть огромное пространство (диаметр купола в основании составлял 42 м!). В течение нескольких десятков лет собор простоял с отверстием в центре крыши. Сложность заключалась не только в величине пролета, но и в относительно небольшой толщине стен барабана, которые вряд ли могли выдержать тяжесть купола вместе со строительными лесами. Тогда было принято решение объявить конкурс, в котором участвовали зодчие, приглашенные из разных городов и стран.
Среди множества представленных рисунков и моделей выделялся фантастический проект архитектора Филиппо Брунеллески (1377—1446). Ему и выпала честь завершить сооружение купола над собором.
Существует легенда, согласно которой от Брунеллески потребовали, чтобы он раскрыл свои технические секреты. Архитектор сказал: «Пусть тот, кто сумеет стоймя утвердить яйцо на мраморной доске, и возводит купол». Многие мастера безуспешно пытались сделать это. Тогда Брунеллески, ударив яйцо о мраморную доску, заставил его стоять. Все зашумели, считая, что могли бы повторить то же самое. Смеясь, Филиппо ответил, что и купол они построят, если увидят его чертежи и модель. Так он получил заказ на его возведение. Насколько правдива эта легенда, сегодня трудно сказать. Может быть, ее придумали гораздо позже. Во всяком случае, известно, что Брунеллески успел возвести только сам купол, а его завершение — изящный барабанчик с позолоченным шаром и крестом наверху — строили по чертежам после смерти архитектора.
Но о каком возрождении древнего зодчества шла речь? Конечно же о возрождении искусства античного Рима. Современники рассказывали, что Брунеллески не раз ездил в Рим, обмерял руины античных храмов и дворцов, делал зарисовки сохранившихся фрагментов зданий. Не стремясь их копировать, он продолжал искать новые решения архитектурных проблем, отвечавшие потребностям Флоренции XV в.
Сооружение купола было начато в 1420 г., а к 1426 г. была возведена одна треть общей высоты. Брунеллески лично следил за ходом выполняемых работ. Из жизнеописания зодчего, оставленного первым историком итальянского искусства Джордже Вазари (1511—1574), мы узнаем: «Он сам ходил на кирпичные заводы, где месили кирпичи, чтобы самому увидеть и помять глину... Он следил за камнетесами, чтобы камни были без трещин и прочные, и давал им модели подкосов и стыков, сделанные из дерева, воска, а то и из брюквы. Он изобрел систему петель с головкой и крючков и вообще значительно облегчил строительное дело, которое, несомненно благодаря ему, достигло того совершенства, какого оно, пожалуй, никогда не имело у тосканцев».
При сооружении восьмигранного купола высотой свыше 35 м Брунеллески применил совершенно новую конструкцию: он сделал купол без возведения строительных лесов из двух оболочек, скрепленных ребрами.
Храм был освящен Папой Римским, но строительство купола собора на этом не закончилось. Вновь был объявлен конкурс проектов по возведению мраморного фонаря. Начатое в 1446 г. строительство было прервано смертью архитектора. Лишь в 1461 г. была закончена кладка фонаря, а спустя еще семь лет мастеру Андреа Верроккьо (1435/1436—1488) было поручено выполнить большой медный шар и увенчать его крестом. (щелчок) Таким образом, полвека потребовалось на завершение работ по строительству этого величественного храма Флоренции, до сих пор остающегося визитной карточкой города.
Вазари справедливо писал:
«Можно определенно утверждать, что древние не достигали в своих постройках такой высоты и не решались на такой риск, который бы заставил их соперничать с самим небом, как с ним, кажется, действительно соперничает флорентийский купол, ибо он так высок, что горы, окружающие Флоренцию, кажутся равными ему».
Строительство собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции было только началом создания многих будущих шедевров итальянского зодчества.
С историей искусства Флоренции тесно связано имя величайшего мастера Донателло (ок. 1386—1466). Скульптурные произведения Донателло и сегодня украшают самые знаменитые площади и соборы Италии, но главные его творения находятся в родном городе Флоренции. По его модели был отлит флорентийский герб с изображением льва, стоящего со щитом на страже города. Собору Сан-та-Мария дель Фьоре он посвятил статуи пророков и не обманул ожидания своих сограждан. Из-под его резца рождались произведения, способные удивить и восхитить современников.
Многие сюжеты для своих произведений Донателло черпал в Священном Писании — Библии. Подлинными шедеврами стали также скульптурные изображения библейского героя Давида.
Рельеф «Пир Ирода» был заказан для баптистерия города Сиены. В Евангелии рассказывается о том, как однажды на пиру могущественный и властный Ирод обещал в награду за танец исполнить любую просьбу своей падчерицы Саломеи. Та попросила голову Иоанна Крестителя, и правитель Галилеи не смог отказаться от данного слова.
Донателло вводит нас в пиршественный зал с галереей музыкантов в страшный момент исполнения преступного желания Саломеи. Действие начинается в глубине интерьера, построенного по законам линейной перспективы, где за вторым рядом мощных и тяжелых арок несут отрубленную голову Иоанна. Заканчивается действие на сценической площадке переднего плана. Только что вошедший палач, опустившись на колено, подносит Ироду блюдо с отрубленной головой Иоанна Крестителя. Оторопев от неожиданности, Ирод в ужасе отшатнулся в сторону, выставив вперед руки. Находящаяся рядом с ним мать Саломеи Иродиада, замыслившая это злодеяние, пытается что-то объяснить Ироду. В сильном волнении она не замечает, как вокруг нее тут же образовалась пустота. Охваченные смятением гости отпрянули от стола, столпившись вокруг танцующей Саломеи. Художнику мастерски удалось создать впечатление внезапно воцарившегося смятения и хаоса.
Не менее интересна и композиция рельефа. Строгое, математически выверенное пространство, расположение фигур в немалой степени способствуют пониманию происходящего и воплощению замысла. Суровая и мощная античная архитектура здесь служит не только историческим фоном. Она активно формирует пространство, окружает собой персонажи, впитывает трагизм происходящего. Скульптор умело подчеркивает протяженность залов дворца с помощью рельефа различной высоты. Фигуры на переднем плане представляются наиболее объемными, а те, что расположены вдали, В состоянии исступленного горя она не обращает никакого внимания на происходящее вокруг. Художнику удалось создать потрясающий, проникновенный образ человеческой муки и скорби. Поистине и в рубище почтенна добродетель...
На склоне лет, когда руки уже потеряли прежнюю твердость, Донателло от бронзы и мрамора обратился к дереву. В эти годы его особенно привлекали сюжеты и образы, исполненные сурового драматизма.
Один из них воплотился в деревянной статуе Марии Магдалины.
Покрытая рубищем старуха с ввалившимся ртом, опухшими от слез глазами смиренно стоит, молитвенно сложив на груди руки. Мы обращаем внимание на изрезанное глубокими морщинами лицо, различаем дряблую, высохшую кожу, изможденное от страдания тело, слабые худые ноги...
Донателло принадлежит одна из первых конных статуй в искусстве Возрождения. Памятник кондотьеру Гаттамелате в Падуе — самое совершенное произведение скульптора.
рис статуя
Кондотьер в одеждах римского императора величественно восседает на боевом коне. (Образцом для этого памятника послужила конная статуя римского императора Марка Аврелия). Спокойно, почти небрежно он поднимает жезл. На фоне яркого падуанского неба поднятый на высокий пьедестал, он медленно и торжественно «проплывает» над городом, напоминая о былом величии и славе. Поразительно мастерство скульптора в передаче деталей: им тщательно выполнены застежки жезла, колесики шпор. Резкие морщины на лице бронзового всадника — свидетельство многих раздумий и обеспокоенности человека, взирающего на будущее из глубины веков.
После смерти Донателло рядом с его именем впервые в истории мирового искусства будет поставлено — «скульптор».
Менее десяти лет творчества были отпущены судьбой замечательному художнику Мазаччо (1401—1428). Но и за это короткое время ему удалось совершить, по оценке современников, «настоящий переворот в живописи». Во Флоренции он расписал два крупнейших собора — церковь Санта-Мария Новелла и капеллу Бран-каччи в церкви Санта-Мария дель Кармине. Люди часами в восхищении простаивали перед фресками, украшающими стены храмов. Здесь часто собирались художники: они беседовали, спорили и ссорились, учились мастерству и снимали копии. Здесь совершалось великое таинство — рождалась новая живопись...
Чем же так притягивали к себе фрески Мазаччо? Преемник Джотто, современник Брунеллески и Донателло, Мазаччо всегда стремился к построению пространства по законам перспективы, передавая реальные объемы на плоскости. Но его новаторство не ограничивалось только освоением перспективы. Его привлекало изображение окружающего мира, подражание естественной природе.
Искусствовед А. К. Дживелегов отмечал новаторский характер его творчества:
«Живопись до Мазаччо и живопись после Мазаччо — две совершенно различные вещи, две разные эпохи. Джотто открыл тайну передачи ощущений человека и толпы. Мазаччо научил изображать человека и природу... Он совсем освободился от стилизации. Горы уже не заостренные, уступчатые голыши, а настоящие горы. Они то принимают мягкие очертания отрогов Апеннин... либо складываются в суровый скалистый пейзаж... Земля, на которой стоят люди, — настоящая плоскость, на которой действительно можно стоять и которую глаз может проследить до заднего фона. Деревья и вообще растительность — уже не бутафория, то стилизованная, то просто выдуманная, а сама природа... Если люди, фигурирующие на картине, вздумают войти в дома, от этого не произойдет никаких неудобств: крыши они головами не прошибут, стен плечами не развалят. Мазаччо стал смотреть, как все происходит в действительности. Тогда сами собою отпали и условные позы, и неестественные факты, и выдуманный пейзаж».
Главными сюжетами росписей Мазаччо были жизнь и деяния апостолов, Иисуса Христа, сцены сотворения мира.
Обратимся к одной из ранних картин Мазаччо «Мадонна с младенцем и ангелами». Она была задумана как центральная часть большого алтаря для церкви Санта-Мария дель Кармине. На высоком троне, помещенном в глубокой нише, восседает Мария с младенцем на руках. Золотой фон, нимбы на головах, ниспадающие складки одежды придают особую торжественность изображенному. В картине поражает новизна художественного решения. Ни у одного из мастеров XV в. мы не встретим такой четкости в передаче глубины пространства, достигнутой благодаря геометрически точному сокращению размеров трона. Фигуры естественным образом вписаны в архитектурное пространство с готической аркой и классическими колоннами трона.
«Троица» — одно из последних и совершенных творений Мазаччо, в котором была предложена абсолютно новая трактовка сюжета ветхозаветной Троицы. В трехмерном пространстве художник показывает реальные фигуры Бога Отца, Христа и Святого
Духа, символически воплощающие образ мира, созданный человеческим разумом. В умении распределять свет и тени, в создании четкой пространственной композиции, в объемности и осязаемости фигур Мазаччо во многом превосходит своих современников. Показывая обнаженное тело Христа, он придает ему идеальные, героические черты, возвеличивает его мощь и красоту, прославляет силу человеческого духа.
Внутри капеллы у подножия креста стоят Дева Мария и апостол Иоанн. Лицо матери Христа, лишенное привычной красоты, обращено к зрителю. Являясь связующим звеном между Богом и человеком, она сдержанным жестом руки указывает на распятого Сына. В этой в целом статичной композиции жест Марии — единственное движение, символически организующее пространство. Перед аркой, у входа в капеллу, изображены в профиль коленопреклоненные мужчина и женщина — заказчики росписей для церкви.
Все в этой строгой композиции поражает тщательной продуманностью и мастерством. Художник словно раздвигает стены храма, создавая иллюзию углубленного пространства. Две колонны с тонко выписанными ионическими капителями образуют арку, поддерживающую свод уходящей вглубь капеллы. В перспективе она завершается еще одной аркой с такой же парой колонн.
Интересно и колористическое решение картины, в котором преобладают переходы от сумрачно-серого к розовому и ярко-красному цветам. На этом неброском фоне особенно выделяются обнаженное тело Христа, фигура могучего старца Бога Отца и белый голубь, символизирующий Святого Духа.
Внезапная смерть любимого художника потрясла современников, но то, что он успел сделать, оставило глубокий след в истории мировой живописи. По словам Вазари, творчество Мазаччо стало школой для живописцев, ибо «все, кто стремился научиться этому искусству, постоянно ходили в эту капеллу, чтобы по фигурам Мазаччо усвоить наставления и правила для хорошей работы».
С Флоренцией связано творчество замечательного художника Алессандро Филипепи Боттичелли (1445—1510), работавшего рядом с величайшими мастерами итальянского Возрождения. Он родился во Флоренции в семье дубильщика кожи. Их дом стоял рядом с церковью Санта-Мария Новелла, и Сандро часто приходил туда, подолгу рассматривая фрески Мазаччо. Он любил бродить по улицам Флоренции, внимательно изучая прекрасные статуи Донателло, парадные фасады соборов и дворцов. Так он постигал душу родного города, все более помышляя об искусстве живописи...
Свой путь в искусстве Боттичелли начинал с сюжетов Священного Писания. Картина «Поклонение волхвов», выполненная по заказу церкви Санта-Мария Новелла, стала настоящим шедевром, принесшим известность и славу начинающему художнику. Впоследствии он не раз обращался к библейским сюжетам и образам, в которых находил идеалы для подражания и черпал вдохновение.
Одно из лучших творений Боттичелли — картина «Благовещение».
Картина была заказана в качестве алтарного образа для капеллы одной из церквей Флоренции. Сквозь раздвинутые створки окна небесный посланник архангел Гавриил проникает в комнату Девы Марии. Чудесные крылья продолжают трепетать, еще не успев сложиться, но сам он уже что-то пылко говорит ей. Появление архангела столь неожиданно, что Мария пытается спастись бегством. В то же время ее хрупкие руки с кроткой готовностью тянутся навстречу вестнику. Смиренное выражение лица, жест покорно склоненной головы красноречиво говорят о согласии принять Благую весть.
В картине поражают динамичность композиции, богатство и звучность колорита. Вихреобразное, стремительное движение достигается с помощью резких драпировок одежды, стремительных контуров персонажей. Ярко-красный цвет пола, одежды небесного посланника и Марии контрастен голубовато-безмятежному пейзажу и холодным, серым тонам оконного проема. Подобная цветовая гамма была призвана подчеркнуть высокую одухотворенность происходящего, усилить драматическую экспрессию произведения.
Одно из самых глубоких и потрясающих произведений Боттичелли — картина «Пьета» («Оплакивание Христа»).
В этом, по словам Б. Р. Виппера, «застывшем орнаменте отчаяния и скорби» Боттичелли предстает уже зрелым мастером. Главный мотив, объединяющий композицию, — сострадание, охватившее живых свидетелей казни Христа. Буквально на всем, что запечатлел здесь художник, лежит отпечаток безысходного отчаяния, крик человеческой души. В стремительных ритмах линий, в намеренной вертикальной вытянутости композиции подчеркнуто смятение каждой фигуры.
Медленно сползает с материнских колен безжизненное тело Христа. Его мертвенный оттенок и мучительный изгиб на складках траурного плаща потерявшей сознание Марии особенно выразителен и драматичен. Сколько человеческой боли и нежности в склонившейся к ногам мертвого Христа Марии Магдалины! Полон глубоких душевных переживаний жест Иосифа Аримафейского с терновым венцом и гвоздями от распятия в руках.
Контрасты красного и черного цветов особенно эмоциональны и созвучны переживаниям участников трагедии. В красном цвете символически выражена вся сила отчаяния, в черном — безнадежность и глубина страдания. Глухая каменная стена с черным проемом еще в большей степени усиливает могильный мрак и холод смерти.
Но не только сюжеты Священного Писания волновали и вдохновляли Сандро Боттичелли. Значительное место в его творчестве занимают произведения, посвященные античной мифологии. Особенно известны его прославленные шедевры «Весна» и «Рождение Венеры».
Нередко в воображении художника герои античных легенд ассоциировались с современной исторической эпохой.
Картина Боттичелли «Паллада и Кентавр» призвана была про-славить род Медичи, знаменитых правителей Флоренции. Афина-Минерва (Паллада) была любимой богиней заказчика картины Джованни Медичи. Каждая деталь картины напоминала об особых заслугах известного семейства перед флорентийцами. Кольца с пирамидальным алмазом, составляющие узор платья Афины, считались одной из эмблем рода Медичи. Главное действие не случайно разворачивалось на фоне моря, — так художник выражал надежду на то, что Флоренция вскоре станет крупной морской державой. Этой же цели служит и маленький кораблик вдали.
Боттичелли пишет Афину без ее главных военных атрибутов: меча, щита и шлема. Олицетворяя мирные реформы Медичи, богиня держит в руках оливковую ветвь — античный символ мира. О ее воинственной силе здесь напоминает лишь алебарда (длинное копье с прикрепленной поперек секирой). Идея морального превосходства Разума над стихийными силами Раздора, дикой и необузданной природы выражена в фигуре Афины, укрощающей Кентавра. С одной стороны, художник подчеркивает непреклонное спокойствие, даже некоторую поэтичность, задумчивость богини, уверенной в правоте своих действий. А с другой — мятежный дух, внутреннюю неуравновешенность побежденного Кентавра; об этом красноречиво говорят страдальческое лицо, покорно склоненная голова и выразительный жест рук.
В историю мировой живописи Боттичелли вошел и как блестящий мастер портрета, запечатлевший облик своих современников. «Портрет мужчины с медалью, изображающей Козимо Медичи» — одна из самых совершенных работ Боттичелли. Художник отказывается от принятого в эпоху Раннего Возрождения профильного погрудного портрета на нейтральном фоне. Спокойный пейзаж за спиной мужчины созвучен образу, он придает ему особую значительность и величие. Природа как будто вторит чувствам и настроениям человека. Изрезанные берега отдаленной реки четко повторяют очертания фигуры портретируемого.
Несомненно, главную задачу художник видел в изображении духовной жизни человека, его глубокой психологической характеристике. В этом портрете ему удалось в полной мере достичь поставленной цели. Красивое выразительное лицо молодого человека обращено к зрителю. Оно привлекает богатством внутренней жизни, аристократически сдержанным спокойствием и эмоциональной напряженностью. Сосредоточенный, гордый и твердый взгляд свидетельствует о решительном и волевом характере. Впервые столько внимания уделено изображению гибких и сильных рук, сжимающих медаль с профилем Козимо Медичи. Это своеобразная сюжетная кульминация портрета, ее главный смысловой центр.
Портрет строится на светотеневых контрастах. Лицо юноши оттенено густой шапкой темных вьющихся волос, которые, в свою очередь, обрамляет нежный светлый фон реки и неба. Сопоставление красного и черного цветов, их явный контраст с голубоватым спокойным пейзажем усиливают общее впечатление от портрета.
Сандро Боттичелли прожил нелегкую, полную испытаний жизнь. Во второй половине XV в. многое изменилось во Флоренции: от республиканского строя остались лишь воспоминания, героика, гражданский пафос и мужественная простота искусства первой половины столетия ушли в прошлое. Боттичелли стал художником этого переходного времени. Огромную симпатию художника вызывали страстные проповеди монаха Савонаролы (1452—1498), обличавшего тиранию Лоренцо Медичи и призывавшего вернуться к демократическим порядкам и аскетизму Средневековья. Когда в 1481 г. на костре сжигали Савонаролу, Боттичелли нес в огонь свои картины... Это была его личная драма. Попав в число опальных художников, он умер в мае 1510 г.
Вывод: главное достижение изобразительного искусства – реалистичность изображения, формирование представлений о единстве изящных искусств.
Леон Батиста Альберти «Трактат о статуе, о живописи, об архитектуре». Вазари выводит родословную видов искусств из рисунка. Эпоха Возрождения открывает новые темы и жанры.
Джотто. Цикл росписей Капелла дель Арена в Падуе – одно из этапных произведений в искусстве. Джотто создает 38 сцен из жизни Христа и Марии – это эпический (повествовательный) цикл фресок. Образы очень человечны, стремление передать анатомию тела и его движения. Основная тема – искупление греха.
Филипп Брунеллески – формирование нового стиля в архитектуре. Создает купольный собор Санта Мария дель Фьоре. Использует принцип золотого сечения – это гармоничное деление отрезка, при котором его большая часть становится среднепропорциональной к меньшей части и ко всему отрезку в целом:
А В С
___________________________________
АВ:ВС=АС:АВ
Донателло производит революцию в скульптуре, создает свободную, обозримую со всех сторон статую Давида, изображая его в виде юноши, торжествующего над поверженным Голиафом.
И все же определяющим видом искусства, в отличие от эпохи Средневековья, становится живопись. Сандро Боттичелли – художник, соединяющий средневековый мистицизм и античную традицию с идеалом эпохи Возрождения, изображает античных богинь с романтической одухотворенностью.
«Весна», «Рождение Венеры» - предпочитает символизм и аллегорию.
«Мадонна Причастие», «Поклонение волхвов». Линия становится самым ярким изобразительным средством, она создает определенный эмоциональный образ, обуславливает существование фигур в пространстве, преодолевает статичность средневековой картины.
1. http://artclassic.edu.ru - коллекция «Мировая художественная культура» Российского общеобразовательного портала
2. выберите 14 век, «Искусство Возрождения в Италии XIII-XVI век», период «Раннее Возрождение».
3. Отберите нужную информацию
4. Рассматриваемые вопросы:
- название и краткая характеристика периода
- архитектура - имя мастера, одно или несколько его произведений.
- живопись – имя мастера, одно или несколько его произведений.
- скульптура - имя мастера, одно или несколько его произведений.
1. Конспект
2. Темы рефератов, докладов или сообщений
«Архитектурный облик Флоренции»;
«Флоренция — колыбель итальянского Возрождения»;
«Великие творения Филиппо Брунеллески»;
«Творчество Донателло»;
«Творчество Мазаччо» — «настоящий переворот в живописи»;
«В мире художественных образов Сандро Боттичелли»;
«Жизнь, время, судьба художника Боттичелли».
Тема: Художественная культура Ренессанса.
Флоренция – колыбель итальянского Возрождения.
Хорошего Вам дня, ребята!
Нам с вами, предстоит познакомиться с новой культурой- культурой Ренессанса ответить, что же представляла собой новая культура.
И сегодня, перед вами, я ставлю следующие задачи:
1) Почему Флоренцию называют колыбелью итальянского Возрождения? Каковы главные художественные достижения флорентийской школы?
2) Творчество Филиппо Брунеллески. Чем примечательны его архитектурные творения?
3) Скульптурные шедевры Донателло. Каковы основные сюжеты и темы его творчества?
4) Живописные произведения Мазаччо. Что, по-вашему, отличает творчество этого художника?
5) Какова творческая судьба Сандро Боттичелли? Какие из прославленных шедевров вам запомнились? Чем?
Задумывались ли вы когда-нибудь над тем, как богато человечество?
Наша духовная и материальная культура создавалась веками. Наследники, к сожалению, не всегда умеют ценить полученное богатство. Бывало, что люди уничтожали свои сокровища: разбивали грандиозные греческие статуи, сжигали книги, рушили храмы… Потом наступало прозрение – и начиналось паломничество в прошлое. Так случилось в эпоху, названную Ренессансом, Возрождением.
Ренессанс — это эпоха Возрождения, проходившего в Европе с XIV по XVI век.
В средневековье, которое предшествовало Ренессансу, отвергались многие вещи в жизни. Во время Возрождения оживилось образование, процветали торговля, искусство, музыка, литература и наука. Ренессанс изменил весь образ жизни Европы.
Колыбелью искусства периода Возрождения или Ренессанса (от фр. Renaissance– “Возрождение”) стала Италия. В итальянском искусстве, не считая проторенессансных (предренессансных) явлений XIII– XIV веков, различают Раннее (XV в.), Высокое (XV – 1 четверть XVI в.) и Позднее (XVI в.) Возрождение. В основе культуры Возрождения лежит принцип гуманизма. Гуманизм (от лат. humanus– человечный)– течение общественной мысли, которое зародилось в XIV веке в Италии, а затем на протяжении XV– XVI веков распространилось и в других европейских странах.
Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо, считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности.
В XV– XVI века Западная Европа переживала “золотой век” своей истории, в который Италия вступила на столетие раньше – в XIV веке. Появилось искусство во Флоренции в начале XIV века, отсюда оно распространилось на всю Италию. К концу XVI века новый стиль охватил почти всю Европу, постепенно вытеснив готику.
В начале XV в. Флоренция претендовала на роль главного города Италии, противопоставив себя «вечному городу» — Риму. Родина Возрождения – Флоренция. Здесь в 1410 -20 гг. произошел перелом от позднего готического искусства к искусству Возрождения. Флорен-ции было чем гордиться: здесь впервые были провозглашены демо¬кратические принципы: «Свобода есть неотъемлемое право, которое не может зависеть от произвола другого лица». Этот жизнеутверж¬дающий идеал свободы найдет свое отражение во многих произведе¬ниях искусства, ставшего частью общественной жизни.
Символ Флоренции — собор Санта-Мария дель Фьоре (1296— 1470). В самом центре города, над морем красных черепичных крыш, поднимается его гигантский купол. Чуть вытянутый силуэт собора виден с каждой улицы, с любой площади. Жители Флоренции хотели установить над собором огромный купол, но никому из архитекторов не удавалось перекрыть огромное пространство (диаметр купола в основании составлял 42 м!). В течение нескольких десятков лет собор простоял с отверстием в центре крыши. Сложность заключалась не только в величине пролета, но и в относительно небольшой толщине стен барабана, которые вряд ли могли выдержать тяжесть купола вместе со строительными лесами. Тогда было принято решение объявить конкурс, в котором участвовали зодчие, приглашенные из разных городов и стран.
Среди множества представленных рисунков и моделей выделялся фантастический проект архитектора Филиппо Брунеллески (1377—1446). Ему и выпала честь завершить сооружение купола над собором.
Существует легенда, согласно которой от Брунеллески потребовали, чтобы он раскрыл свои технические секреты. Архитектор сказал: «Пусть тот, кто сумеет стоймя утвердить яйцо на мраморной доске, и возводит купол». Многие мастера безуспешно пытались сделать это. Тогда Брунеллески, ударив яйцо о мраморную доску, заставил его стоять. Все зашумели, считая, что могли бы повторить то же самое. Смеясь, Филиппо ответил, что и купол они построят, если увидят его чертежи и модель. Так он получил заказ на его возведение. Насколько правдива эта легенда, сегодня трудно сказать. Может быть, ее придумали гораздо позже. Во всяком случае, известно, что Брунеллески успел возвести только сам купол, а его завершение — изящный барабанчик с позолоченным шаром и крестом наверху — строили по чертежам после смерти архитектора.
Но о каком возрождении древнего зодчества шла речь? Конечно же о возрождении искусства античного Рима. Современники рассказывали, что Брунеллески не раз ездил в Рим, обмерял руины античных храмов и дворцов, делал зарисовки сохранившихся фрагментов зданий. Не стремясь их копировать, он продолжал искать новые решения архитектурных проблем, отвечавшие потребностям Флоренции XV в.
Сооружение купола было начато в 1420 г., а к 1426 г. была возведена одна треть общей высоты. Брунеллески лично следил за ходом выполняемых работ. Из жизнеописания зодчего, оставленного первым историком итальянского искусства Джордже Вазари (1511—1574), мы узнаем: «Он сам ходил на кирпичные заводы, где месили кирпичи, чтобы самому увидеть и помять глину... Он следил за камнетесами, чтобы камни были без трещин и прочные, и давал им модели подкосов и стыков, сделанные из дерева, воска, а то и из брюквы. Он изобрел систему петель с головкой и крючков и вообще значительно облегчил строительное дело, которое, несомненно благодаря ему, достигло того совершенства, какого оно, пожалуй, никогда не имело у тосканцев».
При сооружении восьмигранного купола высотой свыше 35 м Брунеллески применил совершенно новую конструкцию: он сделал купол без возведения строительных лесов из двух оболочек, скрепленных ребрами.
Храм был освящен Папой Римским, но строительство купола собора на этом не закончилось. Вновь был объявлен конкурс проектов по возведению мраморного фонаря. Начатое в 1446 г. строительство было прервано смертью архитектора. Лишь в 1461 г. была закончена кладка фонаря, а спустя еще семь лет мастеру Андреа Верроккьо (1435/1436—1488) было поручено выполнить большой медный шар и увенчать его крестом. (щелчок) Таким образом, полвека потребовалось на завершение работ по строительству этого величественного храма Флоренции, до сих пор остающегося визитной карточкой города.
Вазари справедливо писал:
«Можно определенно утверждать, что древние не достигали в своих постройках такой высоты и не решались на такой риск, который бы заставил их соперничать с самим небом, как с ним, кажется, действительно соперничает флорентийский купол, ибо он так высок, что горы, окружающие Флоренцию, кажутся равными ему».
Строительство собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции было только началом создания многих будущих шедевров итальянского зодчества.
С историей искусства Флоренции тесно связано имя величайшего мастера Донателло (ок. 1386—1466). Скульптурные произведения Донателло и сегодня украшают самые знаменитые площади и соборы Италии, но главные его творения находятся в родном городе Флоренции. По его модели был отлит флорентийский герб с изображением льва, стоящего со щитом на страже города. Собору Сан-та-Мария дель Фьоре он посвятил статуи пророков и не обманул ожидания своих сограждан. Из-под его резца рождались произведения, способные удивить и восхитить современников.
Многие сюжеты для своих произведений Донателло черпал в Священном Писании — Библии. Подлинными шедеврами стали также скульптурные изображения библейского героя Давида.
Рельеф «Пир Ирода» был заказан для баптистерия города Сиены. В Евангелии рассказывается о том, как однажды на пиру могущественный и властный Ирод обещал в награду за танец исполнить любую просьбу своей падчерицы Саломеи. Та попросила голову Иоанна Крестителя, и правитель Галилеи не смог отказаться от данного слова.
Донателло вводит нас в пиршественный зал с галереей музыкантов в страшный момент исполнения преступного желания Саломеи. Действие начинается в глубине интерьера, построенного по законам линейной перспективы, где за вторым рядом мощных и тяжелых арок несут отрубленную голову Иоанна. Заканчивается действие на сценической площадке переднего плана. Только что вошедший палач, опустившись на колено, подносит Ироду блюдо с отрубленной головой Иоанна Крестителя. Оторопев от неожиданности, Ирод в ужасе отшатнулся в сторону, выставив вперед руки. Находящаяся рядом с ним мать Саломеи Иродиада, замыслившая это злодеяние, пытается что-то объяснить Ироду. В сильном волнении она не замечает, как вокруг нее тут же образовалась пустота. Охваченные смятением гости отпрянули от стола, столпившись вокруг танцующей Саломеи. Художнику мастерски удалось создать впечатление внезапно воцарившегося смятения и хаоса.
Не менее интересна и композиция рельефа. Строгое, математически выверенное пространство, расположение фигур в немалой степени способствуют пониманию происходящего и воплощению замысла. Суровая и мощная античная архитектура здесь служит не только историческим фоном. Она активно формирует пространство, окружает собой персонажи, впитывает трагизм происходящего. Скульптор умело подчеркивает протяженность залов дворца с помощью рельефа различной высоты. Фигуры на переднем плане представляются наиболее объемными, а те, что расположены вдали, В состоянии исступленного горя она не обращает никакого внимания на происходящее вокруг. Художнику удалось создать потрясающий, проникновенный образ человеческой муки и скорби. Поистине и в рубище почтенна добродетель...
На склоне лет, когда руки уже потеряли прежнюю твердость, Донателло от бронзы и мрамора обратился к дереву. В эти годы его особенно привлекали сюжеты и образы, исполненные сурового драматизма.
Один из них воплотился в деревянной статуе Марии Магдалины.
Покрытая рубищем старуха с ввалившимся ртом, опухшими от слез глазами смиренно стоит, молитвенно сложив на груди руки. Мы обращаем внимание на изрезанное глубокими морщинами лицо, различаем дряблую, высохшую кожу, изможденное от страдания тело, слабые худые ноги...
Донателло принадлежит одна из первых конных статуй в искусстве Возрождения. Памятник кондотьеру Гаттамелате в Падуе — самое совершенное произведение скульптора.
рис статуя
Кондотьер в одеждах римского императора величественно восседает на боевом коне. (Образцом для этого памятника послужила конная статуя римского императора Марка Аврелия). Спокойно, почти небрежно он поднимает жезл. На фоне яркого падуанского неба поднятый на высокий пьедестал, он медленно и торжественно «проплывает» над городом, напоминая о былом величии и славе. Поразительно мастерство скульптора в передаче деталей: им тщательно выполнены застежки жезла, колесики шпор. Резкие морщины на лице бронзового всадника — свидетельство многих раздумий и обеспокоенности человека, взирающего на будущее из глубины веков.
После смерти Донателло рядом с его именем впервые в истории мирового искусства будет поставлено — «скульптор».
Менее десяти лет творчества были отпущены судьбой замечательному художнику Мазаччо (1401—1428). Но и за это короткое время ему удалось совершить, по оценке современников, «настоящий переворот в живописи». Во Флоренции он расписал два крупнейших собора — церковь Санта-Мария Новелла и капеллу Бран-каччи в церкви Санта-Мария дель Кармине. Люди часами в восхищении простаивали перед фресками, украшающими стены храмов. Здесь часто собирались художники: они беседовали, спорили и ссорились, учились мастерству и снимали копии. Здесь совершалось великое таинство — рождалась новая живопись...
Чем же так притягивали к себе фрески Мазаччо? Преемник Джотто, современник Брунеллески и Донателло, Мазаччо всегда стремился к построению пространства по законам перспективы, передавая реальные объемы на плоскости. Но его новаторство не ограничивалось только освоением перспективы. Его привлекало изображение окружающего мира, подражание естественной природе.
Искусствовед А. К. Дживелегов отмечал новаторский характер его творчества:
«Живопись до Мазаччо и живопись после Мазаччо — две совершенно различные вещи, две разные эпохи. Джотто открыл тайну передачи ощущений человека и толпы. Мазаччо научил изображать человека и природу... Он совсем освободился от стилизации. Горы уже не заостренные, уступчатые голыши, а настоящие горы. Они то принимают мягкие очертания отрогов Апеннин... либо складываются в суровый скалистый пейзаж... Земля, на которой стоят люди, — настоящая плоскость, на которой действительно можно стоять и которую глаз может проследить до заднего фона. Деревья и вообще растительность — уже не бутафория, то стилизованная, то просто выдуманная, а сама природа... Если люди, фигурирующие на картине, вздумают войти в дома, от этого не произойдет никаких неудобств: крыши они головами не прошибут, стен плечами не развалят. Мазаччо стал смотреть, как все происходит в действительности. Тогда сами собою отпали и условные позы, и неестественные факты, и выдуманный пейзаж».
Главными сюжетами росписей Мазаччо были жизнь и деяния апостолов, Иисуса Христа, сцены сотворения мира.
Обратимся к одной из ранних картин Мазаччо «Мадонна с младенцем и ангелами». Она была задумана как центральная часть большого алтаря для церкви Санта-Мария дель Кармине. На высоком троне, помещенном в глубокой нише, восседает Мария с младенцем на руках. Золотой фон, нимбы на головах, ниспадающие складки одежды придают особую торжественность изображенному. В картине поражает новизна художественного решения. Ни у одного из мастеров XV в. мы не встретим такой четкости в передаче глубины пространства, достигнутой благодаря геометрически точному сокращению размеров трона. Фигуры естественным образом вписаны в архитектурное пространство с готической аркой и классическими колоннами трона.
Духа, символически воплощающие образ мира, созданный человеческим разумом. В умении распределять свет и тени, в создании четкой пространственной композиции, в объемности и осязаемости фигур Мазаччо во многом превосходит своих современников. Показывая обнаженное тело Христа, он придает ему идеальные, героические черты, возвеличивает его мощь и красоту, прославляет силу человеческого духа.
Внутри капеллы у подножия креста стоят Дева Мария и апостол Иоанн. Лицо матери Христа, лишенное привычной красоты, обращено к зрителю. Являясь связующим звеном между Богом и человеком, она сдержанным жестом руки указывает на распятого Сына. В этой в целом статичной композиции жест Марии — единственное движение, символически организующее пространство. Перед аркой, у входа в капеллу, изображены в профиль коленопреклоненные мужчина и женщина — заказчики росписей для церкви.
Все в этой строгой композиции поражает тщательной продуманностью и мастерством. Художник словно раздвигает стены храма, создавая иллюзию углубленного пространства. Две колонны с тонко выписанными ионическими капителями образуют арку, поддерживающую свод уходящей вглубь капеллы. В перспективе она завершается еще одной аркой с такой же парой колонн.
Интересно и колористическое решение картины, в котором преобладают переходы от сумрачно-серого к розовому и ярко-красному цветам. На этом неброском фоне особенно выделяются обнаженное тело Христа, фигура могучего старца Бога Отца и белый голубь, символизирующий Святого Духа.
Внезапная смерть любимого художника потрясла современников, но то, что он успел сделать, оставило глубокий след в истории мировой живописи. По словам Вазари, творчество Мазаччо стало школой для живописцев, ибо «все, кто стремился научиться этому искусству, постоянно ходили в эту капеллу, чтобы по фигурам Мазаччо усвоить наставления и правила для хорошей работы».
С Флоренцией связано творчество замечательного художника Алессандро Филипепи Боттичелли (1445—1510), работавшего рядом с величайшими мастерами итальянского Возрождения. Он родился во Флоренции в семье дубильщика кожи. Их дом стоял рядом с церковью Санта-Мария Новелла, и Сандро часто приходил туда, подолгу рассматривая фрески Мазаччо. Он любил бродить по улицам Флоренции, внимательно изучая прекрасные статуи Донателло, парадные фасады соборов и дворцов. Так он постигал душу родного города, все более помышляя об искусстве живописи...
Свой путь в искусстве Боттичелли начинал с сюжетов Священного Писания. Картина «Поклонение волхвов», выполненная по заказу церкви Санта-Мария Новелла, стала настоящим шедевром, принесшим известность и славу начинающему художнику. Впоследствии он не раз обращался к библейским сюжетам и образам, в которых находил идеалы для подражания и черпал вдохновение.
Одно из лучших творений Боттичелли — картина «Благовещение».
В картине поражают динамичность композиции, богатство и звучность колорита. Вихреобразное, стремительное движение достигается с помощью резких драпировок одежды, стремительных контуров персонажей. Ярко-красный цвет пола, одежды небесного посланника и Марии контрастен голубовато-безмятежному пейзажу и холодным, серым тонам оконного проема. Подобная цветовая гамма была призвана подчеркнуть высокую одухотворенность происходящего, усилить драматическую экспрессию произведения.
Одно из самых глубоких и потрясающих произведений Боттичелли — картина «Пьета» («Оплакивание Христа»).
В этом, по словам Б. Р. Виппера, «застывшем орнаменте отчаяния и скорби» Боттичелли предстает уже зрелым мастером. Главный мотив, объединяющий композицию, — сострадание, охватившее живых свидетелей казни Христа. Буквально на всем, что запечатлел здесь художник, лежит отпечаток безысходного отчаяния, крик человеческой души. В стремительных ритмах линий, в намеренной вертикальной вытянутости композиции подчеркнуто смятение каждой фигуры.
Медленно сползает с материнских колен безжизненное тело Христа. Его мертвенный оттенок и мучительный изгиб на складках траурного плаща потерявшей сознание Марии особенно выразителен и драматичен. Сколько человеческой боли и нежности в склонившейся к ногам мертвого Христа Марии Магдалины! Полон глубоких душевных переживаний жест Иосифа Аримафейского с терновым венцом и гвоздями от распятия в руках.
Контрасты красного и черного цветов особенно эмоциональны и созвучны переживаниям участников трагедии. В красном цвете символически выражена вся сила отчаяния, в черном — безнадежность и глубина страдания. Глухая каменная стена с черным проемом еще в большей степени усиливает могильный мрак и холод смерти.
Но не только сюжеты Священного Писания волновали и вдохновляли Сандро Боттичелли. Значительное место в его творчестве занимают произведения, посвященные античной мифологии. Особенно известны его прославленные шедевры «Весна» и «Рождение Венеры».
Нередко в воображении художника герои античных легенд ассоциировались с современной исторической эпохой.
Картина Боттичелли «Паллада и Кентавр» призвана была про-славить род Медичи, знаменитых правителей Флоренции. Афина-Минерва (Паллада) была любимой богиней заказчика картины Джованни Медичи. Каждая деталь картины напоминала об особых заслугах известного семейства перед флорентийцами. Кольца с пирамидальным алмазом, составляющие узор платья Афины, считались одной из эмблем рода Медичи. Главное действие не случайно разворачивалось на фоне моря, — так художник выражал надежду на то, что Флоренция вскоре станет крупной морской державой. Этой же цели служит и маленький кораблик вдали.
Боттичелли пишет Афину без ее главных военных атрибутов: меча, щита и шлема. Олицетворяя мирные реформы Медичи, богиня держит в руках оливковую ветвь — античный символ мира. О ее воинственной силе здесь напоминает лишь алебарда (длинное копье с прикрепленной поперек секирой). Идея морального превосходства Разума над стихийными силами Раздора, дикой и необузданной природы выражена в фигуре Афины, укрощающей Кентавра. С одной стороны, художник подчеркивает непреклонное спокойствие, даже некоторую поэтичность, задумчивость богини, уверенной в правоте своих действий. А с другой — мятежный дух, внутреннюю неуравновешенность побежденного Кентавра; об этом красноречиво говорят страдальческое лицо, покорно склоненная голова и выразительный жест рук.
В историю мировой живописи Боттичелли вошел и как блестящий мастер портрета, запечатлевший облик своих современников. «Портрет мужчины с медалью, изображающей Козимо Медичи» — одна из самых совершенных работ Боттичелли. Художник отказывается от принятого в эпоху Раннего Возрождения профильного погрудного портрета на нейтральном фоне. Спокойный пейзаж за спиной мужчины созвучен образу, он придает ему особую значительность и величие. Природа как будто вторит чувствам и настроениям человека. Изрезанные берега отдаленной реки четко повторяют очертания фигуры портретируемого.
Несомненно, главную задачу художник видел в изображении духовной жизни человека, его глубокой психологической характеристике. В этом портрете ему удалось в полной мере достичь поставленной цели. Красивое выразительное лицо молодого человека обращено к зрителю. Оно привлекает богатством внутренней жизни, аристократически сдержанным спокойствием и эмоциональной напряженностью. Сосредоточенный, гордый и твердый взгляд свидетельствует о решительном и волевом характере. Впервые столько внимания уделено изображению гибких и сильных рук, сжимающих медаль с профилем Козимо Медичи. Это своеобразная сюжетная кульминация портрета, ее главный смысловой центр.
Портрет строится на светотеневых контрастах. Лицо юноши оттенено густой шапкой темных вьющихся волос, которые, в свою очередь, обрамляет нежный светлый фон реки и неба. Сопоставление красного и черного цветов, их явный контраст с голубоватым спокойным пейзажем усиливают общее впечатление от портрета.
Сандро Боттичелли прожил нелегкую, полную испытаний жизнь. Во второй половине XV в. многое изменилось во Флоренции: от республиканского строя остались лишь воспоминания, героика, гражданский пафос и мужественная простота искусства первой половины столетия ушли в прошлое. Боттичелли стал художником этого переходного времени. Огромную симпатию художника вызывали страстные проповеди монаха Савонаролы (1452—1498), обличавшего тиранию Лоренцо Медичи и призывавшего вернуться к демократическим порядкам и аскетизму Средневековья. Когда в 1481 г. на костре сжигали Савонаролу, Боттичелли нес в огонь свои картины... Это была его личная драма. Попав в число опальных художников, он умер в мае 1510 г.
Вывод: главное достижение изобразительного искусства – реалистичность изображения, формирование представлений о единстве изящных искусств.
Леон Батиста Альберти «Трактат о статуе, о живописи, об архитектуре». Вазари выводит родословную видов искусств из рисунка. Эпоха Возрождения открывает новые темы и жанры.
Джотто. Цикл росписей Капелла дель Арена в Падуе – одно из этапных произведений в искусстве. Джотто создает 38 сцен из жизни Христа и Марии – это эпический (повествовательный) цикл фресок. Образы очень человечны, стремление передать анатомию тела и его движения. Основная тема – искупление греха.
Филипп Брунеллески – формирование нового стиля в архитектуре. Создает купольный собор Санта Мария дель Фьоре. Использует принцип золотого сечения – это гармоничное деление отрезка, при котором его большая часть становится среднепропорциональной к меньшей части и ко всему отрезку в целом:
А В С
___________________________________
АВ:ВС=АС:АВ
Донателло производит революцию в скульптуре, создает свободную, обозримую со всех сторон статую Давида, изображая его в виде юноши, торжествующего над поверженным Голиафом.
И все же определяющим видом искусства, в отличие от эпохи Средневековья, становится живопись. Сандро Боттичелли – художник, соединяющий средневековый мистицизм и античную традицию с идеалом эпохи Возрождения, изображает античных богинь с романтической одухотворенностью.
«Весна», «Рождение Венеры» - предпочитает символизм и аллегорию.
«Мадонна Причастие», «Поклонение волхвов». Линия становится самым ярким изобразительным средством, она создает определенный эмоциональный образ, обуславливает существование фигур в пространстве, преодолевает статичность средневековой картины.
д/з
1. http://artclassic.edu.ru - коллекция «Мировая художественная культура» Российского общеобразовательного портала
2. выберите 14 век, «Искусство Возрождения в Италии XIII-XVI век», период «Раннее Возрождение».
3. Отберите нужную информацию
4. Рассматриваемые вопросы:
- название и краткая характеристика периода
- архитектура - имя мастера, одно или несколько его произведений.
- живопись – имя мастера, одно или несколько его произведений.
- скульптура - имя мастера, одно или несколько его произведений.
1. Конспект
2. Темы рефератов, докладов или сообщений
«Архитектурный облик Флоренции»;
«Флоренция — колыбель итальянского Возрождения»;
«Великие творения Филиппо Брунеллески»;
«Творчество Донателло»;
«Творчество Мазаччо» — «настоящий переворот в живописи»;
«В мире художественных образов Сандро Боттичелли»;
«Жизнь, время, судьба художника Боттичелли».
ребята задавайте вопросы.
ОтветитьУдалитьЭтот комментарий был удален автором.
УдалитьТему реферата, выбрать любую, из предложенного в списке.
ОтветитьУдалить